jueves, 27 de diciembre de 2012

Canciones de Segunda Mano (three)






 Bueno, ya estamos aquí de vuelta, es obvio que no se ha acabado el mundo tal y como predecían (supuestamente) los Mayas, y si hemos acabado un ciclo para empezar otro, yo al menos, no he notado la diferencia. Así que otra semana mas, e intentando huir de tan empalagosas festividades, me refugio en la música para traeros el ultimo post del año en Grafistantaneas, otro especial sobre algunos temas que la gran mayoría asocia a un artista en particular, dando por hecho, y debido al éxito, que se trata de una canción original, dejando en el olvido a su primer interprete. Hoy, y tras la decepción de otra profecía no cumplida, esperamos no decepcionar a ninguno al "desvelar" estas cuatro "primeras veces", que esta semana se mueven entre los 80 y los 90. Así que sin más demora, ya que seguro estaréis preparando el fin de año, vamos al grano...o a la semilla...

 En 1981, la cantante y compositora californiana Kim Carnes, ya arrastraba tras de sí una consistente y dilatada carrera en los USA, pero el mercado europeo se le resistía. Su estilo no era muy del estilo del moderno y sofisticado público del viejo mundo. Cuando le ofrecieron dejar un poco de lado los sonidos Country y folk-rock en los que se encontraba cómoda, para dar un paso hacia el pop y los sintetizadores, ciertamente decidió rechazarlo, sin embargo y tras escuchar el tema (y descubrir quien lo había escrito), decidió aceptar. Con los arreglos instrumentales de Bill Cuomo, la desgarrada voz de Kim Carnes (según ella, obtenida a base de muchas horas dedicadas a cantar en bares repletos de humo), la hipnótica melodía de "Bette Davis eyes", lograba acaparar, durante nueve semanas consecutivas, el número 1 de las listas estadounidenses, abriendo definitivamente a la rubia platino, las puertas del mercado europeo. Ese mismo año lograría el Grammy como mejor canción del año, e irremediablemente quedaría grabada a fuego en la memoria colectiva de los aficionados a la música, la propia Bette Davis se declaró fan de la canción, y el tema fue interpretado por Carnes en un homenaje hecho a la mítica actriz poco antes de su fallecimiento... Mientras tanto, la versión original desaparecía en la noche de los tiempos. La canción dedicada a los ojos mas famosos de Hollywood, fue escrita en 1974 por otra mítica artista de la música, fue gracias a una reposición en un canal de tv de un clásico film de cine negro, "La extraña pasajera" ("Now Voyager", Irving Rapper, 1942), en una determinada escena el personaje interpretado por Paul Henreid, cae herido por un disparo efectuado por Bette Davis, mientras en un dramático primer plano, los ojos de la actriz trasmiten gran intensidad tras la columna del humo de su cigarro. Aquella expresividad tan magnífica y enigmática inspiró a Jackie DeShannon para crear uno de los más míticos temas de la historia del pop, que le reportaría, siete años mas tarde, el Grammy como compositora (junto a Donna Weiss). Convertida en la tercera canción más vendida de toda la década 1980, nunca sabremos si a Jackie, aquel honor, le sacó la espina de que su primera versión, incluida en su disco de 1975 "New Arrangement", nunca lograra el éxito y reconocimiento de la de Carnes, llegando incluso a hacerla caer en el olvido. Por si acaso, hoy la recuperamos para vosotros...



  Para nuestro segundo tema intentaré ser más breve, no por que la canción no lo merezca, si no por que aún quiero contaros muchas más cosas. Muy pocas artistas, nacionales e internacionales, pueden presumir de una carrera tan sólida y llena de éxito y reconocimientos como nuestra Luz Casal. Durante muchos años fue la única rockera solista de nuestro país, aunque, a lo largo de los años ha sabido evolucionar, integrando a su sonido distintos matices, sin descartar ningún género musical, lo que le ha llevado a conseguir el éxito, (y el respeto profesional) internacionalmente. Parte de ese éxito se deben principalmente a tres discos "Luz V" (Hispavox, 1989), "A Contraluz" (Hispavox, El Deseo, 1991) y "Como la flor prometida" (Hispavox, 1995), álbum este último que contenía uno de los singles mas vendidos de la historia de la música nacional "Entre mis recuerdos". A estas alturas no creo que nadie desconozca que el autor del tema es el mítico cantante y compositor gibraltareño Albert Hammond, un verdadero todo terreno musical, autor de una interminable lista de hits a uno y otro lado del charco. Lo que sí ha quedado en el olvido (algo natural, debido a la diferencia de calidad entre ambas versiones), es la primera versión de la canción. Cuatro años antes de la versión de Luz, el tema fue ofrecido a un grupo vocal de Paterson (New Jersey), que habían conseguido una relativa popularidad entre los jóvenes universitarios. El grupo en cuestión se hacían llamar Riff, y tras un par de discos, alguna aparición televisiva y muy poca trascendencia, nada mas se supo de ellos, eso sí "My heart is failing me" (que así se llamó originalmente la canción, tuvo un discreto top 25 en las listas, y hoy la recuperamos para los mas curiosos, eso sí, sin mucho entusiasmo...



Para la mayoría aquí no hay duda "Girls just want to have fun"  fue lanzada al mercado por primera vez por Cindy Lauper, todo lo demás son versiones... bueno, pues no es así. Tiene cierta lógica, ya que "Girls just want to have fun" supuso una verdadera revolución pop entre 1983 y 1984, un éxito mundial, reforzado por un video-clip muy cinematográfico, altamente efectivo  (multi galardonado internacionalmente), el descubrimiento de una voz fresca y potente, con un personal look muy colorista y particular, que marcaría tendencia entre los adolescentes del momento, quedando como uno de los sellos distintivos de los 80, un sonido fresco, juvenil y vibrante, y una letra que sería considerada como un himno de liberación y definición de libertad y camaradería femeninas... lo curioso es que el tema en cuestión, fue, originalmente, interpretado por un hombre. El compositor y primer interprete del tema fue un músico electro-pop de Philadelphia llamado Robert Hazard (nacido Robert Rimato), relativamente popular localmente junto a su banda " Robert Hazard and the Heroes", que habían conseguido algo de popularidad a principios de los 80 con su sonido tecno-pop, e imagen New Wave. La primera grabación del tema (recuperada años después por nostálgicos de los sintetizadores) se realizó en 1979, cantada desde un punto de vista masculino, que apenas tuvo difusión mediática, por lo que casi queda en el cajón del fracaso comercial. Años después, el propio Hazard colaboraría con Lauper en la adaptación del tema para convertirlo en un himno femenino y juvenil de rebeldía. Poco mas quiero contaros, me hace mucha gracia la versión de Lauper, de buen rollito y tal, pero hoy os dejo esta como curiosidad...



 Y finalmente una artista, y un tema que no necesitan presentación alguna. Si os digo "Simply the Best", la gran mayoría tendrá en la cabeza la imponente y poderosa vos e imagen de la gran Dama del Rock y el Soul, Anna Mae Bullock, mas conocida por su nombre artístico (de casada) Tina Turner. La melena leonina, la minifalda de cuero, la impresionante voz de la artista nacida en Nutbush (Tennessee), y el solo de saxofón de Edgar Winter, es lo único en lo que uno puede pensar cuando intenta recordar este tema. Número uno mundial en 1989, "The Best" se convirtió en una reivindicación del renacer, de la positividad sin cursilerías, una autoafirmación a ritmo de Rock que, injustamente, hizo olvidar a su antecesora. Y es que posiblemente, la versión original de "The Best" nunca volviera a sonar en las emisoras de radio, tras la versión de la Turner, y eso que no le tenía mucho que envidiar, ni siquiera en tener al frente a otra gran Dama del Rock. Un año antes "The Best" formaba parte de "Hide Your Heart ", séptimo disco de estudio de la artista de Gales, Gaynor Hopkins, de nombre artístico Bonnie Tyler. Otra rubia de voz cascada y ronca, cuya carrera tampoco necesita presentación, grandes éxitos como "Holding Out for a Hero", "Total Eclipse of the Heart", "Lost In France" o "It's a Heartache" han grabado a fuego su nombre en el libro de las grandes del Rock, (por cierto "It's a Heartache" a estado a punto de ser protagonista hoy también, ya que fue grabado y lanzado por Tyler, a la vez que la versión de Juice Newton). Aunque la versión de Tyler tuvo cierto éxito en Europa, pronto se borraría de la memoria de todos por "culpa" de la Turner, cosas de la música y el éxito comercial.
No entro demasiado en si es justo ni injusto, tampoco en si son mejores o peores versione, tan sólo dedico estos especiales a recordar a los "primeros", y ahora me despido de vosotros deseándoos un buen final de año, que disfrutéis mucho y os vengan tiempos felices, ser buenos, disfrutar de la vida y que la música guíe vuestro destino...Hasta el año que viene amigos y amigas!

miércoles, 19 de diciembre de 2012

Canciones de Segunda Mano (two)











Quien no recuerda la primera vez... bueno pues al parecer muchos, al menos por la acogida y los comentarios de nuestro primer "Canciones de segunda mano". Bromas aparte, lo cierto es que muchas veces cuando un tema (en estos casos una versión) alcanza en muy poco tiempo un alto nivel de popularidad, acaba ensombreciendo hasta ocultar en el frío limbo de los olvidados, aquellas primeros artistas que se atrevieron a grabarlo en su primitiva forma. Aprovechando que en estos ajetreados días previos a la Navidad, estamos todos muy ocupados en excesivas compras y estresantes preparativos, vamos con un post ligerito y liviano, una segunda entrega a nuestro repaso a los artistas que no dejaron su huella muy profunda, pasando casi inadvertidos para la gran mayoría de aficionados... pero, tranquilos, aquí estoy yo para remediarlo (jeje)...

 Comenzamos con un tema muy conocido, un clásico imperecedero, que de alguna manera, también tiene un aire navideño, muy apropiado para escuchar en familia, junto al árbol de colorines y espumillón, y un bucólico fuego en la chimenea del fondo del salón. Creo que no desvelo nada nuevo si os digo que Elvis Presley no fue el primero en grabar "Crying in the Chapel", aunque a partir de 1965 quedará irremediablemente unido a la voz de "el Rey". Lo cierto es que Elvis llevaba mas de dos años sin tocar el primer puesto de las listas, y la canción andaba guardada en la recámara desde su grabación en octubre de 1960, frenada por RCA y el Coronel Tom Parker por desacuerdos en los derechos de publicación. Finalmente la inspirada interpretación de Presley y la siempre perfecta compañía de the Jordanaires elevarían la canción al nivel de mítica e imprescindible. No era la primera vez que se escuchaba el engolado tema, antes de 1965 diversos artistas ya lo habían registrado, los mas osados afirmarán que la versión original pertenece al grupo vocal the Orioles, que consiguieron un gran éxito con ella en 1953, pero es un dato incorrecto, fruto de la popularidad que obtuvo la maravillosa BSO de "American Gaffiti" (George Lucas, 1973), en a que aparecía esta versión, que muchos adjudicaron como primigenia. Pero la banda de Baltimore no fueron los primeros en grabarlo. Aquel mismo año, el músico de Texas  Charles "Artie" Glenn salía de rezar en una pequeña iglesia bautista en el lado norte de Fort Worth, un año antes, en la cama del hospital en el que se recuperaba de una compleja cirugía en la columna vertebral, había prometido dedicarle mas tiempo a Dios. Mientras rezaba, unas lágrimas de agradecimiento rodaban por sus mejillas, de camino a casa ya rondaba por su cabeza "Crying in the Chapel", decidió regalar el tema a su hijo de 17 años Darrell, quien lo grabó junto a la banda de Country de su padre los Rhythm Riders, consiguiendo un relativo éxito local y nacional, con y Darrell Glenn de gira junto al cómico Bob Hope por todos los Estados Unidos.



 Arquetipo de ídolo de adolescentes, el Neoyorquino Brian Hyland, ya había tocado la cima del éxito cuando, con 16 años, logró uno de los primeros "éxitos del verano", con el tema " Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka Dot Bikini ", un pop refrescante y simplón, precursor del sonido bubblegum, que arrasó en 1960. Hyland tardaría un par de años más en lograr un éxito tan contundente, y fue con un tema, cuyo sonido, era diametralmente opuesto a su primer número uno, aunque en algo sí coincidían, ambos fueron éxitos de verano, aunque en este caso, un clásico del final de la época estival. "Sealed with a Kiss" conseguiría mantenerse durante 11 semanas consecutivas en el tercer puesto de top then USA, alcanzando la misma posición en el UK Singles Chart. Relanzada como sencillo en 1975, la versión de Hyland, se convertiría en un éxito sorpresa en el Reino Unido, donde de nuevo se colaría entre las 10 canciones del año... pero nosotros buscamos su primera vez..."Sealed with a Kiss" compuesta por Peter Udell y Gary Geld para el grupo vocal de New York the Four Voices, un cuarteto italoamericano que, a pesar de las buenas criticas y el respeto de sus compañeros de profesión, jamas conseguirían demasiada repercusión (excepto un fugaz top 20 en 1956, con "Lovely One"). El cuarteto registró por primera vez "Sealed with a Kiss" el mismo año en que Hyland conseguía su primer gran éxito (es decir 1960),  pero el tema pasó completamente desapercibido, y el grupo, tras otros tantos fracasos, acabaría separándose en 1962, año en que paradójicamente, su canción llegaba a la cima de las listas en la voz de un adolescente de su mismo barrio...



 Y ahora avanzamos unas décadas, un poco como avance de nuestro próximo especial de "primeras veces", en el que intentaré sorprenderos con algunos grandes éxitos de los 80 y 90, que damos por sentado que son creaciones originales, cuando en realidad se tratan de versiones. En 1984, la banda británica de  reggae-pop UB40 ya tenían decenas de éxitos en las listas británicas, desde su formación en 1978 habían ido ganándose el respeto del público, afianzando su personal visión de la música jamaicana. Pero fue  "Red Red Wine" el tema que les daría fama mundial, abriéndoles las puertas del mercado USA, y ampliando el europeo. La canción cuenta, en un tono agradable y feliz, lo bien que el vino te hace sentir, aunque tu chica te haya dejado. Para su interpretación los UB40 se apoyaban en una versión anterior del jamaicano Toni Tribe, con la que en 1969 había conseguido el top 6 en el Reino Unido, aunque anteriormente, en otro registro muy distinto, ya había sido grabada por el grupo de Soul James Jimmy and the Vagabonds. Posteriormente y antes de la de UB40, también el cantante Country Roy Drusky cosechó cierta popularidad con su versión en 1972, al igual que el neoyorquino Vic Dana justo dos años antes, aunque fue la del grupo británico de reggae, la que, en un principio, mas disgustó al autor y primer interprete del tema. Lo cierto es que el padre de "Red Red Wine" no es ningún advenedizo, creador de cientos de grandes éxitos, a Neil Diamond,  cantante, compositor, guitarrista, actor y productor, le sorprendió negativamente el carácter festivo que los británicos daban a su tema, una canción triste dedicada al desamor y al "beber para olvidar" que él mismo grabaría en 1968. Con el tiempo, aquel malentendido fue superado, y el propio Diamond suele tocar de vez en cuando el tema al estilo de UB40. Lo cierto es que Neil Diamond es un especialista en crear éxitos, que se han revalorizado años después en las voces de otros, os nombro por ejemplo "I’m a believer" de the Monkees, o “Girl, You'll be a woman soon” de Urge Overkill...y con él os dejo, emplazándoos una semana más, donde repasaremos cuatro sorprendentes canciones de segunda mano, os espero, y cuidadito con los excesos de estas fiestas, que pasaré lista!...


jueves, 13 de diciembre de 2012

James Hunter “An overnight success that's taken 20 years...”








Casi debo comenzar este post pidiendo perdón, y es que me siento avergonzado, hace algunas semanas, dejándome llevar por una contenida euforia, os contaba las excelencias de una emergente estrella retro-underground británica llamado Si Cranstoun, en aquel post, sin elevarle a los altares, le comparabamos con grandes estrellas como Jackie Wilson o Nappy Brown, mientras definíamos su presencia junto a otros nuevos y emergentes talentos musicales con pretensiones "revival". Pues bien, no es que me desdiga de nada de aquel post, el muchacho me gusta y tiene un punto refrescante y divertido muy de agradecer, pero entre tato palabrerío y comparativas, olvidé ni siquiera nombrar, a un tipo que lleva años haciendo esto mismo mucho mejor, y con mas estilo y personalidad que muchos de estos jóvenes voluntariosos. Sé mejor que nadie, que cuando escribes un post, siempre quedan cosas por contar, artistas por nombrar, referencias que citar, etc...pero en este caso en particular, es casi imperdonable no haber citado a nuestro invitado de hoy, mas que nada por que soy un fanático seguidor suyo, y llevo años escuchando y disfrutando de su música, y no pierdo la ocasión de compartirla con los demás. Por eso, hoy, con la escusa de la redención de este humilde transmisor, os traigo a Grafistantaneas, a un artista único, autentico, que huye de la etiqueta "retro", para constituirse en abanderado de la continuidad de un sonido que, simplemente, se había tomado un descanso...


 
Y es que el bueno de Hunter, a sus 50 años, lleva desde los 80 dedicándose profesionalmente a la música, tocando y cantando con artistas de la talla de Van Morrison, pero el "éxito", aunque minoritario, se le ha resistido hasta el nuevo siglo. Es por eso que se toma con cierta ironía que lo etiqueten de "artista revelación". Su historia parece extraída de la biografía de un bluesman del delta del Mississipi, nacido en 1962, James Hunter se crió en un remolque aparcado en medio de un campo de cebollas. Allí solía rebuscar entre los viejos discos que, junto a un gramófono, le regaló su abuela, las voces de Jackie Wilson o Sam Cooke, le parecían mucho más mágicas y atrayentes que la música pop que emitían las emisoras de radio, aunque él era un paliducho de ojos azules, la voz de aquellos tipos de color le sonaban tremendamente familiares y acogedoras. A principios de los 80, bajo el seudónimo de Howlin Wilf, comienza a tocar Blues y Soul por los locales del Condado de Essex, durante el día se deja la espalda trabajando como obrero del ferrocarril en su Colchester natal. En poco tiempo consigue un estable calendario de conciertos en Londres, por lo que decide abandonar su trabajo y mudarse a la gran ciudad. Una vez instalado comienza a mostrar su trabajo a las discográficas, una de sus maquetas causó muy buena impresión al productor de Ace Records, Ted Carroll. En poco tiempo le monta una nueva banda, "Howlin' Wilf and the Vee-Jays", y le produce su primer disco "Wilf Cry" (1986), un irregular, aunque prometedor, compendio de las influencias musicales de Hunter. Una prometedora opera prima que partiendo de una base principalmente Rythm and Blues, deja influenciar su sonido por el Reggae, el Blues mas ortodoxo, Rock and Roll mas divertido, o el "New Orleans Style", versioneando clásicos como el "Summertime" de  Gershwin, "Ya ya" de Lee Dorsey o el "Hello Stranger" de Barbara Lewis.



La banda se disuelve pronto, aunque Hunter continúa en solitario como Howlin' Wilf, hasta principios de los 90 graba otros tres discos mas, en ellos compone sus primeros temas, canta, toca la harmónica y la guitarra, siempre moviéndose entre el Blues y el Soul. Se mantiene tocando en pequeños clubs de Londres, como el Pub Weavers en Islington o el 100 Club de Oxford Street. Pero el destino jugó una carta inesperada a su favor, una mañana, cuando el mítico músico Van Morrison se encontraba comprando el periódico, un amigable fan le pide su opinión acerca de ese cantante blanco de  Soul, con voz negra, que andaba tocando por el norte de Londres. Intrigado, Morrison acude a verlo cantar a un concierto en Gales, su peculiar estilo y su voz tranquila, llama poderosamente la atención del irlandés. Impresionado por el talento de Hunter, decide convertirse en su padrino, definiéndole como "una de las mejores voces y el secreto mejor guardado del Rythm and Blues británico". Durante los próximos años, Hunter acompaña a Morrison durante sus giras y conciertos, toca la guitarra y canta junto al mítico artista, su nombre aparece entre los músicos de los álbumes "A Night in San Francisco" (1994) y "Days Like This" (1995). Incluso saca un disco en el que Morrison colabora haciendo algunosos coros, "Believe What I Say" (Ace 1996) con una repercusión muy baja, aunque aceptable. Pero en 2003 un bajón casi acaba con los sueños de nuestro protagonista, con 41, sin un contrato discográfico, sin apenas bolos concertados, tocando en la calle por unas monedas, la carrera de Hunter parecía llegar a su final.

Steve Erdman había sido un fan de James Hunter desde hacia casi 20 años, cuando lo vio tocando en una calle de Camden, de nuevo lo encuentra tocando en una entrada del metro londinense. Habla con él de los viejos tiempos, se preocupa por su trabajo, conversan sobre el futuro, y finalmente le pide su teléfono. Al llegar a casa, un eufórico Steve, le cuenta a su pareja, Kimberly Guise, su extraordinario encuentro, y en lo que ellos definen como una decisión espontánea, se ponen manos a la obra para crear Go Records, con el único propósito de volver a lanzar la carrera de Hunter. Al entrar al estudio de grabación, Hunter, emocionado y agradecido, decidió dar lo mejor de sí mismo, es en es momento cuando toda su experiencia, los años pasados con Morrison, todo lo vivido, sufrido y aprendido, surge magistralmente de sus composiciones.  Con la ayuda del productor Liam Watson (White Stripes) intentan capturar el auténtico espíritu del Rythm and blues, consiguen un viejo equipo analógico y graban "People Gonna Talk" (Go/Rounder Records, 2006), un impactante y desconcertante disco que podía haber sido grabado perfectamente en 1963. Un resultado con sabor a Sam Cooke, Allen Toussaint, Chuck Berry o Johnny Rivers, siendo todos los temas composiciones nuevas del propio Hunter. El revuelo y la sensación que causó su "nuevo debut" fue antológico, cientos de reseñas en prensa elogiando su trabajo, invitaciones a shows televisivos de medio mundo, alabanzas, grandes conciertos, nominaciones a diversos premios (incluídos los Grammy)... esta vez si, esta vez Hunter lo había conseguido.

En 2008, con el lanzamiento de "The Hard Way"  (Hear Music/Go Records) Hunter se consolida como una de las grandes voces del panteón Pop-Soul, no sólo actual, si no de todos los tiempos. Con su modesta y elegante pose sobre el escenario, su áspera y conmovedora voz, sus atractivas y convincentes melodías, preciosas baladas, pinceladas de ritmo latino, ortodoxos coros Soul, y los sencillos y efectivos arreglos de guitarra, confieren a su trabajo una redondez nada usual en un artista actual, más aún metido en dar continuidad (que no emular) al sonido que hicieron popular, a mediados de los 60, grandes y veneradas figuras de la música. Es por eso que James Hunter debe de partirse el pecho de risa cuando oye hablar de las nuevas luminarias como Si Cranstoun, él, que se ha pasado toda la vida en polvorientos escenarios, locales de diverso pelaje e incluso las calles de media Inglaterra... a ver dónde andan cuando alcancen su edad, se dirá a sí mismo Hunter. Lo cierto es que nos alegramos de un éxito tan merecido, y mientras tanto disfrutamos de su música, esperando que sólo sea el comienzo y nos quede Hunter para rato...


jueves, 6 de diciembre de 2012

Canciones de Segunda Mano (one)







Como sabéis, siempre ando indagando en busca del dato (musical) perdido, la curiosidad detrás de la canción, el origen de temas populares, y cosas por el estilo. El resultado de estas investigaciones casi siempre acaban en las secciones de "Versión Original" ó "Canciones con historia", pero en muchos casos me encuentro con que el resultado apenas da para unas líneas. Aún así he ido recopilando un buen puñado de canciones, que en su momento fueron muy populares, atribuidas por la gran mayoría a los artistas que la llevaron a la cima de la popularidad, dejando en el limbo de los olvidados a aquellos que la interpretaron por primera vez, sin la suerte de sus predecesores. Quizás no tengan historias tan jugosas como las de "Twist and Shout", "My Way", “Love is Strange” , "Hey Joe", o "Hooked on a Feeling", por ejemplo, tal vez no merecieran la gloria, tal vez no tuvieron la chispa necesaria, quizá no era el momento adecuado, o la difusión no fue la mas acertada, pero al menos, nosotros, nos acordamos que (como cantaban Morcillo el Bellaco y los Ritmicos) "ellos lo hicieron primero"...

No se puede decir que The Walker Brothers, pertenezcan al fenómeno "One hit wonder" (artistas que se recuerdan por un sólo y muy sonado éxito), sin embargo es innegable que si permanecen en la memoria colectiva de todos nosotros, es sin duda gracias a su interpretación de "The sun ain’t gonna shine anymore". Un precioso tema de ampulosos arreglos orquestales, con el que el trío de California (afincado en Londres) tocara el cielo del éxito en 1966. Realmente, the Walker Brothers, ni eran hermanos, ni se apellidaban Walker, pero en plena fiebre británica, con the Beatles y Stones como bandera, consiguieron, con su pulcra imagen y engolado estilo (a medio camino entre the Byrds y the Rigtheus Brothers), conquistar las listas británicas, manteniéndose número uno de ventas durante un mes consecutivo con este tema, extendiendo su popularidad a medio mundo, un tema que, como ya debéis imaginar, no era suyo. El tema fue compuesto un año antes por el productor de los Four Seasons, Bob Crewe y el teclista, compositor y vocalista de la banda, Bob Gaudio, "The sun ain’t gonna shine anymore" debía ser la perfecta rampa de despegue del líder vocal del grupo, el italo-americano Frankie Valli. Un tema (realmente grabado en una de las sesiones de grabación junto a los Four Seasons) que se alejaba un poco de la línea habitual del cuarteto de Jersey, y que Valli redondeó con su acostumbrada calidad vocal e interpretativa, sin embargo el sencillo no caló entre la audiencia, quedándose fuera del Top 100 americano y, por tanto, ni siquiera sonó en Europa, lo que abrió las puertas del mercado británico al expatriadfo trío Walker Brothers  un año mas tarde, ya que allí era un tema completamente nuevo...



Afortunadamente Valli, era un artista conocido y con una gran carrera a sus espaldas, por lo que continuó a lo suyo sin darle mayor importancia, otros artistas no tuvieron esa misma suerte... Una tarde de 1958, la hija del compositor norteamericano Julius Edward Dixson llegó a su casa con el resto de un caramelo pegado al pelo, la engorrosa faena de quitar el pegajoso dulce de los rizos de la pequeña, hizo que Julius llegara tarde al trabajo, pero también le sirvió de inspiración para (junto a Beberly Ross) crear un pegadizo tema, "Lollipop". Sentado al piano de su casa, con Beberly como vocalista, y con la ayuda de Ronald Gumm, un vecino de 13 años de Dixon, grabaron una demo bajo el seudónimo de Ronald y Ruby (foto de cabecera. La RCA se interesó rápidamente por el tema, y fue lanzado de inmediato, consiguiendo llegar hasta el puesto 20 de las listas. Pero había un problema, muchas emisoras rechazaron emitir "Lollipop", a pesar del seudónimo (idea de la madre de Gumm), enseguida trascendió que el muchacho era negro, mientras Beberly era blanca, un dúo interracial no estaba bien visto en ese momento. Pero los de RCA no quisieron dejar pasar la oportunidad, así que endosa la canción a un cuarteto de perfectas y virginales voces blancas de larga trayectoria profesional. The Chordettes eran una apuesta segura, impecable imagen de perfecta ama de casa, y un estilo vocal limpio y armónico con el que ya habían conquistado al público desde 1954 con "Mr. Sandman". Unas semanas mas tarde del lanzamiento de la versión original, las Chordettes conseguían llegar al top 2 de pop y 3 de Rythm and Blues. Como curiosidad, os diré que en el Reino unido no lo tuvieron tan fácil, ya que en el puesto número 2 otra versión de "Lollipop" impidió el paso de las americanas, la de un grupo familiar de Bedfordshire, llamados The Mudlarks.



Se trata de un tema mítico, lanzado como sencillo en diciembre de 1965, llegó a los primeros puestos de las listas, tanto en USA como en el Reino Unido. Fue un éxito inesperado, sobre todo para la banda, ya que los de Capitol Records decidieron lanzarlo sin la autorización de estos. Y es que los Beach Boys andaban inmersos en dar un paso evolutivo en su sonido, y no confiaban mucho en que "Barbara Ann" fuera a ayudarles en su cambio de rumbo. Curiosamente, el tema (recogido al final del disco "Beach Boys Party", un falso directo con aplausos y voces añadidas) está interpretado a la limón por Brian Wilson y Dean Torrence (mitad del dúo surfero Jan and Dean), aunque la colaboración de Dean no se reflejó en los créditos del disco, pero podemos escuchar al final de la canción la voz de Wilson diciendo "...thank's Dean!". Pero nos tenemos que remontar hasta 1958 para encontrar el origen de "Barbara Ann", y es que así se llamaba la chica a quien estaba dedicado el tema, la hermana del compositor Fred Fassert. Pero Fred tenía otro hermano, Chuck, miembro de un grupo vocal del Bronx, en el que había comenzado su carrera otro compositor imprescindible para el Doowop, Ernie Maresca, el grupo se hacían llamar los Regents (nombre que escogieron mientras grababan en los estudios Regent Sound, donde el vocalista Chico Villari fumaba unos cigarrillos "Regents"...aquello debió parecerles una señal). El caso es que la canción fue, evidentemente, a parar a la banda del hermano de Fred, grabaron el tema, pero por la falta de un contrato con una discográfica, la inquietud de Maresca por probar otros terrenos y otros diversos motivos, la banda se disuelve sin lanzar el sencillo. En 1962, Eddie Jacobucci, lider del grupo vocal the Consorts se presenta en Cousins Records para una audición, falto de ideas decide proponer "Barbara Ann", la idea gusta a los productores tanto, que se deshacen de the Consorts, y deciden revivir a the Regents y volver a grabar el tema, reúnen a la formación original y vuelven a grabar la canción, semanas mas tarde "Barbara Ann" consigue un número 1 en el distrito de Nueva York, aunque no tuvo una buena difusión a nivel nacional, por lo que no fue mas que un gran éxito local, hasta que la tocaran los Beach Boys, claro.

 ...Y hasta aquí una primera entrega de "canciones de segunda mano", espero que os haya gustado, poco a poco os iré trayendo pequeñas perlas de curiosidades musicales, no dejéis de escuchar música, ni de leer mis post (jaja) un saludo amigos!

jueves, 29 de noviembre de 2012

The Who "Your Generation"











Volvemos a los grandes retos, de nuevo vamos a intentar recoger en unos pocos párrafos la trayectoria de uno de los grandes grupos del pasado siglo XX, como sabéis, es muy difícil condensar en un post toda una carrera musical, con sus altibajos, anécdotas, matices...además intentando no parecer una simple entrada de enciclopedia, así que como siempre intento, os daré las pinceladas biográficas necesarias, una pizca de anécdotas y curiosidades, un pequeño análisis aquí y allá, un repasito a sus discos (sin entrar en demasiados detalles, que para eso hay otras páginas en las que se analizan disco a disco), todo ello desde mi personal punto de vista, que para eso es mi blog, jeje. Debo decir que es una tarea auto impuesta, desde que comencé con este blog he descubierto que investigando a ciertos artistas, indagando en su vida, motivaciones, personalidad... he llegado a redescubrilos y disfrutarlos de otra manera, bandas que tenían un interés menor, ahora son de mis preferidas gracias a elaborar un post, repasando sus discos descubro nuevos matices que me emocionan, así que como nunca he llagado a conectar 100% con nuestros invitados de hoy, les invito a Grafistantaneas, a ver si así llegamos a ser mejores amigos, comencemos...



 Es difícil etiquetar una banda como The Who, paradigma del mod y el hard rock, estrellas de la psicodelia, pioneros de la opera-rock conceptual, cantradictorios, brillantes, intensos... The Who evolucionó durante años gracias a un talento, capacidad creativa e intensidad instrumental únicas, debido a una peculiar conjunción de talentos, encabezada por uno de los mejores, y mas personales, guitarristas y compositores de todos los tiempos, Pete Towshend. Fue mientras asistía a la escuela de secundaria de Shepherds Bush, en el distrito londinense oeste de Hammersmith y Fulham, cuando Towshend conoció a John Entwistle, ambos compartían las mismas inquietudes y pronto se unieron a una banda de hot-jazz (The Confederates) tocando el banjo y el corno francés respectivamente, pero el sonido dixieland sólo era un divertimento, en realidad a la pareja lo que le gustaba era el Rock. Comenzando la década de los 60 ya habían formado un pequeño grupo de Rock, pero el destino quiso que Entwistle se cruzara a un joven estudiante de arte con su guitarra bajo el brazo, entablaron amistad, y Roger Daltrey (que así se llamaba el muchacho) pidió a John que se uniera a su banda, the Detours, y así lo hizo, dejando temporalmente abandonado a su colega de siempre. Tenían un repertorio de versiones basados en temas Rock, Blues y Country, pero pronto vieron que les faltaba un punto de creatividad, así que Entwistle propuso la incorporación de su amigo a la banda, con Towshend como guitarra rítmica, evolucionaron vertiginosamente hacia el Rhythm and Blues y al Pop-rock. A principios de 1963, el vocalista de la banda, Colin Dawson, decide abandonar, es sustituído brevemente por otro cantante llamado Gabby, pero debido a un accidente laboral, Daltrey (que trabajaba en la industria metalúrgica) se lesiona, y pasa así a convertirse en el vocalista principal, dejando a Towshend sólo ante la guitarra (algo muy raro en los grupos ingleses de aquella época), apoyado por Entwistle al bajo y Doug Sandom a las baquetas.



Decididos a conseguir un contrato discográfico llamaron a cientos de puertas, en todas las ocasiones la respuesta fue la misma, debían buscar un batería más capacitado y completar su repertorio con temas propios, al igual que estaban empezando a hacer otras bandas como the Beatles o Rolling Stones. Hacia 1964, Sandom se casa y abandona la banda, para cubrir su puesto en los bolos contratados, el grupo se ve obligado a fichar a distintos baterías de sesión, en una de aquellas actuaciones, un muchacho inquieto e hiperactivo llamado Keith Moon, pidió el puesto, alegando que la música era lo único capaz de centrar su atención (venía de tocar con un combo de surf-rock llamado los Beachcombers), en la prueba, accidentalmente, ya se cargó el bombo, tras sentarse y tocar frenéticamente, pasándose por el forro los ritmos básicos, el puesto fue suyo. Bueno, pues ya tenemos la banda formada, el repertorio de aquel momento contenía temas de Smokey Robinson, James Brown, Booker T., Eddie Cochran...y consigue un hueco fijo en el histórico Marquee Club de Londres, aún moviéndose a nivel local el trabajo era intenso, y consiguieron ganarse el respeto del público londinense, y atraer la atención del mánager y promotor Pete Meaden. En febrero de ese mismo año, the Detours habían cambiado su nombre por el de the Who, pero Meaden decidió rebautizarlos como "The High Numbers", cambiándoles el vestuario por trajes a medida, intentando atraer al público mod, rebeldes de clase media, obsesionados con el buen vestir, las drogas de diseño y la cultura Rhythm and Blues norteamericana. Tras el fracaso de su primer doble sencillo "Zoot Suit/I'm the Face", la banda decide deshacerse de Meadem... Un apunte, "Zoot Suit", y "I'm the Face" fueron dos plagios del mánager descarados y sin pudor, la primera es un calco de "Misery" del grupo Doowop The Dinamics, mientras que la cara B, se basaba en "Got Love If You Want It", del cantante de blues Slim Harpo, no se, quizás pensaba que nadie se daría cuenta, el caso es que aunque no funcionó, hoy es un single muy buscado (gracias en parte a que aparecieron en la BSO de la película de 1979, "Quadrophenia") y, paradógicamente, "Zoot Suit" se sigue acreditando a the Who.



Fue precisamente en esa época, durante una actuación actuación en el Raiway Hotel, cuando Townshend  rompió su guitarra por primera vez, ocurrió por accidente, el espacio era muy reducido, y la tarima del escenario demasiado alta, lo que llevó al guitarrista a romper accidentalmente el mástil de su instrumento contra el techo. Frustrado por el accidente, la golpeó una y otra vez contra el suelo, mientras el público enloquecía ante aquel espectáculo. Terminó el show con una Rickenbacker recién comprada, pero quiso la casualidad que allí se encontraran dos incipientes empresarios musicales, que habían fracasado previamente como directores de cine, Kit Lambert y Chris Stamp, que rápidamente se ofrecieron a representar al grupo. Deseosos de dejar su impronta en la historia de la música, los mánagers recuperan el nombre de The Who, diseñan la famosa camiseta con el logo y recuperan un sonido basado enteramente en Soul y Rhythm and Blues que denominan "Maximum Rhythm and Blues". La fama de "rompe-instrumentos" de The Who se corre rápidamente por el mundillo, alimentada por ellos mismos que, aunque no era parte fija del show, Moon tiraba de vez en cuando parte de su batería, y Pete rompía alguna vieja guitarra, aquello se convirtió en una campaña de publicidad perfecta. Aquel incidente en la Railway Tavern, fue, según la revista "Rolling Stone": uno de los "50 Momentos que cambiaron la historia del Rock and Roll".



Liderados por la mente creativa de Towshend, la banda comienza a evolucionar, a finales de 1964 lanzan su primer sencillo "I can't explain", un tema deudor sin duda del "You really got me" de The Kinks, con un Daltrey visceral e inspirado, el sonido resultaba potente, duro, pero a la vez sensible e impactante. Lanzado en enero de 1965, no tuvo gran repercusión hasta que la banda lo interpretó en el show televisivo "Ready, Steady, Go!", sus ventas se dispararon de inmediato, seguido por el himno mod "Anyway, Anyhow, Anywhere" compuesto por Townshend y Daltrey. No conformes con Decca, y el trato que recibían sus primeros sencillos,  Lambert y Stamp forman su propio sello llamado Track Records, consiguiendo a Jimi Hendrix para su primer lanzamiento como sello. En Noviembre de 1965 The Who rompe las listas con su primer LP "The Who Sings My Generation ", toda una declaración de rebeldía juvenil, angustia existencial, tensión sexual y demencia (Towshend debía de tener muchos problemas en aquella época...y después ..) , algo de sonido beat, rock, Rhythm and blues...cuyo punto álgido se encuentra en el mayor himno de la cultura popular de los 60 de la historia, la visceral "My Generation", que es, junto a "The kids are alright", consideradas precursoras del incipiente Punk .


 Thowshen quiere llevar a la banda hacia terrenos más ambiciosos, experimentar con el pop conceptual, la psicodelia, mientras Entwistle y Daltrey prefieren acercarse más hacia el Rock duro, en cualquier caso todos están de acuerdo en que sus Lp's deben tener una línea argumental definida, y que no se van a atar a un estilo en particular, a partir de entonces comienzan a abandonar el sonido "Pure 60's" (que a mi tanto me gustaba, y por ello les perdí un tanto la pista). En 1966 sale al mercado “A Quick One” (“Happy Jack” en USA), un trabajo irregular cargado de contenido sexual, que incorpora un primer acercamiento a la Ópera Rock, un medley de nueve minutos llamado "A quick one, while he's away". En ese momento el mercado norteamericano ya les ha abierto las puertas de par en par, y con su gira por los USA, rompiendo instrumentos ante un enfervorizado público yankee, les coloca en la cima del éxito mundial. En 1967 simulan una emisión radiofónica, con jingles y publicidad incluida en su disco “The Who sell out”, le sigue "Magic Bus" (1968) y por fin "Tommy" (1969), un álbum doble, concebido como una Ópera Rock, en el que, aparte de las lisérgicas variaciones de Towshend, se deja ver la influencia que sobre el compositor, ejercían los pensamientos y dictados del gurú indio Meher Baba. El disco fue un éxito inmediato (aunque censurado por la cadena británica BBc, por tratar abiertamente temas como el abuso infantil) y muy sonado, que acabaría llevándose a la gran pantalla en 1975, con el propio Daltrey como protagonista y el resto de la banda en el reparto. El disco en realidad es un ciclo de canciones Rock, inmersas en un argumento, que se inspira claramente en tabajos de "The pretty things" (en especial su álbum mas conceptual "S.F. Sorrow (1968)"  y "Small Faces".



Tras el paso por el festival de Woodstock, las diferencias de opinión sobre el camino a seguir, hacen mella en la banda. Thowsen planeaba un proyecto en solitario, otra Ópera Rock continuación de "Tommy" cuyo título iba a ser "Lifehouse", había compuesto bastante material, su tema principal derivaba de las influencias filosóficas de Meher Baba y la influencias musicales de Terry Riley, "Baba O'Riley" combina una caótica intro de sintetizadores, un potente rock, y un violín, interpretado por Dave Arbus, que confiere al tema un particular aire folk. Evidentemente el disco de Towshend nunca salió, y sus temas formaron parte del quinto álbum de estudio de The Who, "Who's Next" (1971). En 1973 la banda vuelve a la carga con otro disco doble, otra Ópera Rock, quintaesencia del mod, el mítico “Quadrophenia”, un disco sobre la esquizofrenia y los problemas de una generación de adolescentes británicos, incapaces de encontrar su sitio en la sociedad. En 1979 también fue llevado al cine, aunque la música de el disco sólo sirvió como base argumental, en la película, dirigida por Franc Roddam, aparece una estrella musical del momento, el líder de The Police, Sting.

Hasta aquí mas o menos lo más representativo, en 1974, la banda comienza a disgregarse, Towshend está cansado de tocar y se refugia en el alcohol, el exceso le lleva a sufrir un colapso nervioso, por lo que sin su mente en condiciones “The Who By Numbers” (1975), acaba convertido en el disco menos inspirado y energético de la banda, además de ser el mas depresivo. En 1978 Keith Moon fallece por una sobredosis de pastillas, un medicamento que tomaba para controlar su alcoholismo. The Who fueron una figura clave en la "British Invasion" y en la evolución de la música en general, basando su sonido en la guitarra de Towshend, y en la improvisación escénica, la voz de Daltrey fue siempre el contrapunto que equilibraba el conjunto. Ya en sus inicios, las composiciones de Towshend fueron consideradas de lo mejor de su época, compitiendo con con Lennon y McCartney, y Jagger y Richards. Siempre tuvieron al público de su lado, y la crítica ni se atrevía ni supo contrariar, ni entendieron lo que hacían. Con un absoluto genio como el narizotas de  Towshend a la cabeza, capaz de hacerlo todo él solo, the Who se convirtieron en una banda que no se puede comparar con ninguna otra, ni de su época, ni de otra. Innovadores, capaces del pop mas liviano, el rock mas duro, riffs imposibles, sintetizadores de locura, Rock progresivo, arrogantes, juveniles, sesudos...incalificables e irrepetibles, vuelvo a decir que los tenía un tanto relegados, pero tras este post, The Who, sube bastantes enteros en mi ranking personal...imprescindibles.



miércoles, 21 de noviembre de 2012

Si Cranstoun "Jackie Wilson Said..."






"Sí, suena tan parecido a mi padre que da miedo!"
Bobby Brooks Hamilton (hijo de Jackie Wilson)

 Últimamente desde el Reino Unido nos van llegando ecos del resurgir de la música y la estética "retro", gente como Kitty, Daisy and Lewis o Imelda May han hecho de la música tradicional americana su meca particular, reinventandola y llevándola de nuevo a su público natural, los jóvenes rockeros, y consiguiendo sin embargo no decepcionar al purista de tupé canoso, conocedor experto y cansado de "experimentos musicales". Esta nueva hornada de talentos, a los que se han unido otros llegados de diversos puntos de Europa como los italo-eslovenos Devill Doll, los suizos The Hillbilly Moon Explosion, los franceses Ben L'Oncle Soul, o los españoles Sanford Alligator Band, un montón de bandas que, a pesar de sus diferencias, tienen un nexo de unión sólido, han recuperado el espíritu original de la música americana de los años 50 y 60, ya sea en su vertiente Country, Soul, Rythm and Blues, Rock... y le han dado un nuevo lustre, demostrando que lo "retro" también puede ser "cool". Y lo mejor de todo es que no es una pose, ni un producto impostado, todos ellos viven la música desde el más profundo respeto y amor a los clásicos, nuestro invitado de hoy pertenece a esta estirpe, un artista cuyo aspecto, al principio, puede confundir, pero en cuanto comienza a cantar te das cuenta de que en su alma anida el espíritu de los sonidos más clásicos, el vintage mas desenfadado, y a la hora de interpretar, un estilazo tremendo heredado de grandes estrellas como Otis Redding, Sam CookeLou Rawls, Etta James,  Stevie Wonder, Nappy Brown y, sobre todo, Jackie Wilson....

Comparar a Si Cranstoun con Jackie Wilson puede ser un asunto muy delicado, por una parte, todo un honor ser comparado con una de las mas grandes y personales voces negras de todos los tiempos, pero por otra, puede que la propuesta del artista londinense acabe por no tomarse enserio, y lo que es peor, que en la comparación con el gran Wilson, Cranstoun, acabe perdiendo. Por el momento, y debido a la sencillez y sinceridad del trabajo de Cranstoun, nada esto ha pasado, y su música ha sido recibida con entusiasmo y cierta alegre nostalgia. A priori debo decir, que por el momento, el trabajo de Si Cranstoun, no va a cambiar el rumbo de la historia de música, no inventa nada nuevo, pero hay que ver, lo que nos hace disfrutar y el buen rollo que trasmite su música. Una divertida combinación de Soul, Ska, Calypso, Rock, Doowop, y mucho, mucho Jackie Wilson, cuyo resultado es un sonido refrescante que, inevitablemente, levanta sonrisas y hace menear las caderas mas anquilosadas...



 Pero Si Cranstoun no es un recién llegado, ya en el 2004 consiguió llegar hasta el puesto 21 de las listas británicas, junto a su hermano Tyber con "Kiss on the lips", el single de lanzamiento de lanzamiento de The Dualers, una banda que combina ska, reggae y soul, consiguiendo vender mas de 14.000 copias del single (no hay que olvidar que el padre de los muchachos fue un pionero promotor, que renovó el Ska en Inglaterra a mediados de los 60). En 2005 consolidan su prestigio de estrellas underground, con su segundo sencillo, "Truly madly deeply", que alcanzó el puesto 23, y posteriormente incluida en la banda sonora de "Como locos... a por el oro" (Andy Tennant, 2008). El interés creciente por la banda les llevó a grabar su primer álbum "The Melting Pot" (2006), consolidando a the Dualers como una de las bandas de referencia en la escena Ska Reggae. Pero en realidad, the Dualers, era el proyecto de su hermano, para Si Cranstoun sólo era un divertimento en el que colaborar y dar rienda suelta a su creatividad, ya que además de cantar, se dedicó a componer, tocar la guitarra y producir todos sus temas. Y es que el muchacho sabía lo que quería hacer con su vida desde los cuatro años, en una cena navideña, rodeado de familiares, a alguien le habían regalado un disco de Elvis Presley, y decidieron ponerlo, cuando sonó "Jailhouse Rock" , el pequeño Simón saltó al medio de la sala y comenzó a bailar y cantar con todas sus energías, todos se arrancaron a aplaudir y vitorear al muchacho... aquella sensación de felicidad y triunfo nuca se le olvidaría, y desde entonces dedicó todas sus energías en cultivar su mayor afición, la música, ya en el colegio descubrió un valor añadido, que a pesar de ser delgaducho, las chicas le sonreían después de verle sobre el escenario.

Y por fin en 2010 decide dar el salto en solitario, con "Dynamo", cara A de su primer doble sencillo, consigue captar poderosamente la atención de crítica y público, un optimista y dinámico tema, claro homenaje a Jackie Wilson y su particular estilo interpretativo, que nos remonta irremediablemente a la época dorada del Rock'n'Roll. En 2011, su primer Lp, “Alternative Floor Fillers” le lleva a los escenarios de medio mundo, desde Alemania  a Las Vegas, pasando por Madrid y Barcelona. Un excelente disco, con un contagioso groove, mucho Swing, Rock and Roll, toques Doowop, y sobre todo la portentosa y vibrante voz de Cranstoun, un trabajo grabado íntegramente en el garaje/estudio de su casa. Pero es en el escenario donde se entiende mejor la propuesta del artista londinense, a pesar de su aspecto de "artista latino" tipo Marc Anthony, trajeado, delgado, moreno y con  perilla, Si convierte su Show en un ejercicio retro de alto octanaje, marcando la diferencia con sus zapatos pulcramente pulidos, sus excéntricos sombreros y un gran sentido del humor. Su infeccioso ritmo, su cuidada puesta en escena,  escogido vestuario, contrabajo, trompeta, saxo... y sus bailes, sobre el escenario Cranstoun se deja poseer por el estilo de Gene Kelly, Elvis e incluso Sammy Davis, Jr. El disco se cierra con un excelente Doowop uptempo ("Happy Birthday") en el que demuestra que no sólo se deja influenciar por Wilson y Nappy Brown, un precioso tema, magníficamente interpretado que devuelve el lustre a un sonido añorado y venerado por muchos (entre los que me incluyo).



 Reclamado por los festivales mas prestigiosos de medio mundo, en la actualidad anda inmerso en la promoción de "Dancehalls and Supperclubs", su nuevo álbum  en el que da un paso evolutivo importante, sin dejar atrás su personal estilo. Un trabajo muy digno y emocionante, que incluye "Rise and Shine", un imponente tema pop de corte tradicional con influencia Soul setentero con el que está convenciendo a aquellos (pocos ya) reticentes que predecían que Cranstoun era un fenómeno pasajero, cuya única virtud era imitar a Jackie Wilson (no os perdáis este vídeo, en el que el homenaje pasa a ser una versión genial del "Reet Petite"). Lo curioso es que este nuevo disco ha sido compuesto y grabado en medio de un apretadísimo calendario de giras y actuaciones, combinando su carrera en solitario paralelamente a sus colaboraciones con the Dualers, lo que demuestra la gran capacidad y ganas del artista y su banda. En este nuevo trabajo encontramos vivaces temas rock, piano Boogie-Woogie, Soul rítmico al estilo Motown, baladas Doowop, boppin', e incluso Swing en italiano, sin embargo, y a pesar de la disparidad de estilos, el disco suena como una unidad muy coherente. Si Cranstoun, es ya una superestrella del "circuito alternativo", que desde el sur de Londres contagia, a todo el que lo escucha, su pasión por la música con ecos de antaño. Para mi ha sido toda una sensación descubrir un proyecto tan estimulante y sugerente, capaz de reconciliarme con el actual mercado musical, y además, hacernos bailar durante toda la noche sin perder la emoción. Si Cranstoun, un talento musical enorme, suena vintage, sexy, sugerente y muy vitalista. Un artista cuyo futuro, seguro que no seguiremos por los circuitos mas comerciales, pero aún así, no perderemos de vista.....Bailad y difrutadlo como se merece!

jueves, 15 de noviembre de 2012

Canciones con historia: "La Bamba"









Tan sólo dos temas en español tienen el honor de encabezar la prestigiosa lista "Hot 100 Billboard", uno es (ejem) "Macarena" de Los del Rio, y la otra es "La Bamba" de Ritchie Valens, un artista que ostenta el triste privilegio de poseer una de las carreras musicales mas cortas de la historia, un fenómeno fugaz, que sólo duró ocho meses. Con tan sólo 17 años, Ritchie era una incipiente estrella, cuyos temas revolucionaban las listas de éxitos americanas, aquel febrero de 1959, compartía escenario y autobús, con las grandes estrellas del momento. La "Winter Dance Party", una gira por el medio oeste americano, venticuatro eventos en tres semanas, en los que actuaban (entre otros artistas locales) Waylon Jennings, Dion & The Belmonts, Buddy Holly, The Big Bopper Richardson y el propio Valens. En mitad de la gira, la calefacción del autobús que transportaba a los artistas dejo de funcionar, la organización del tour no tenía previsto un problema así, y tampoco consiguió encontrar a nadie que pudiera solucionarlo, así que tras la actuación en el 'Surf Ballroom' de Clear Lake, Iowa, Buddy Holly decide que está harto de aguantar las gélidas temperaturas locales y alquila una avioneta para tres pasajeros, con el fin de llegar rápidamente a un hotel y descansar en condiciones. Holly y Bopper, eran las grandes estrellas del show, así que una moneda decidió la "suerte" entre Jennings y Valens. Años después del trágico accidente Jennings admitiría que se había sentido culpable, ya que a modo de broma Holly le espetó "espero que tu autobús se estropee”, a lo que Waylon respondió “Pues entonces, que tu avión se estrelle”. Anécdotas aparte aquel trágico día, se perdería un montón de talento, uno de los músicos mas creativos e influyentes de la historia del Rock, y una las mayores promesas del mismo...

Ricardo Esteban Valenzuela Reyes, está considerado por muchos como el gran pionero del rock latino, gracias a él se abrieron las puertas a un montón de artistas como Chris Montez, Trini Lopez o Carlos Santana. Su corta trayectoria es de sobra conocida gracias al cine "La Bamba" (Luis Valdez, 1987) hizo que medio mundo conociera las canciones del cantautor y guitarrista de origen mexicano nacido en Estados Unidos, Ritchie Valens (gracias en parte a las grandes versiones de Los Lobos). Tal vez por eso, la mayoría de la gente pueda pensar que la verdadera "canción con historia" deba ser "Donna", la sencilla balada compuesta para Donna Ludwig, su novia (aunque realmente no hay pruebas reales de esta relación) del instituto. Lo que si está bastante claro es que Valens estaba enamorado de la chica, y que a finales de 1958 le dedicó esta bonita canción. Un tema que, por otra parte, sentaría las bases para futuras baladas románticas blanditas, lo cierto es que tuvo bastante éxito, llegando a alcanzar el puesto número 2 del Billboard Hot 100, eso si, un mes después del fallecimiento del artista. Aunque la historia pueda ser romántica (el rollo Romeo y Julieta, chicano y rubia americana, etc...) no tiene mucha mas miga que la que ya os he contado, así que vamos con "La bamba", un tema que en sí mismo es una lección de historia...



 En 1958, Bob Keane, propietario y presidente de Del-Fi Records (un pequeño sello de Hollywood), llegaría al Valle de San Fernando en busca de un nuevo talento, le habían llegado comentarios sobre un joven de 16 años, que junto a su grupo The Silhouettes, se estaban ganando un nombre en el circuito regional. Bob convenció al muchacho, y se lo llevó al estudio de grabación de su casa, en Silver Lake, de estas sesiones se saca el material que hay publicado de Ritchie, ya que su primer disco incluía "Come On, Let's Go" y "Framed", aunque grabó diversas pistas de otros temas en estudio que no se llegaron a publicar en vida del artista, ya que su segundo (y ultimo) disco de su vida sería el doble sencillo de "Donna" y "La Bamba". La elección de "La Bamba" no convencía mucho a Keane, aquel era un tema popular mexicano, un Son Jarocho (una especie de Fandango, combinado con versos, que se acompaña con una danza zapateada, propia de la cultura Jarocha, en el estado de Veracruz), aquel era un tema conocido en Mexico y, aunque había llegado ecos de aquella tonada a los USA, no era muy apropiada para el público juvenil americano (aún recuerdo los abucheos del público, en el pre-estreno de la película, cuando el acor que interpreta a Bob Kane, dice aquello de : "No se puede hacer Rock en español!") en el cine. Sin embargo, con los arreglos de Valens "La Bamba" se convirtió en un Rock and Roll, que convenció y arrasó entre la chavalada yanky...pero, ¿de donde proviene "La Bamba"?, y ¿de que habla realmente?, vamos a ello...

 Al parecer, y por lo que he podido averiguar, la historia de la canción va ligada a la propia historia de Veracruz,  la Villa Rica de la Vera Cruz fue fundada por el conquistador español Hernán Cortés, en 1519 en las playas que se encontraban frente al islote de San Juan de Ulúa. Por su situación,enseguida se convirtió en un ponto estratégico para el comercio entre España y el "Nuevo mundo", debido a diversos problemas metereologicos, la Villa se traslada a la isla de San Juan de Ulúa, allí es fortificada para proteger las grandes cantidades de oro y plata que allí esperaban para embarcar rumbo a la madre patria. Ya en el siglo XVII, las aguas que rodeaban la zona estaban infestadas de piratas, en mayo de 1683, el pirata holandés Lorenz de Graaf se apodera de la Villa, encerrando a los habitantes de la ciudad en la iglesia de la plaza mayor, para poder saquear con mayor tranquilidad. Cuatro días bajo un intenso calor, sin comida ni agua, hizo que algunos parroquianos decidieran acabar con su sufrimiento lanzándose desde lo alto del campanario de la iglesia. Una vez liberada la ciudad, el virrey de México decidió implantar en las colonias de la zona, una serie de normas, destinadas a prevenir un nuevo ataque pirata, repiques de alarma, ensayos de emergencia, formación de "reclutas de emergencia", etc... Medidas que la población se tomó con ironía y sorna, y así comenzó a nacer una canción que fue extendiéndose de manera espontánea.



Aunque la letra ha sufrido diversos cambios a lo largo de su extensa existencia, en su mayor parte se mantiene igual que en el siglo XVII, veamos:

Yo no soy marinero
Yo no soy marinero
Soy Capitán
Soy Capitán...

...Pero por ti seré,
Por ti seré, por ti seré…

Esta parte está, por supuesto, sujeta a muchas interpretaciones,  pero la mayoría de expertos apuntan al miedo de los lugareños a navegar por unas aguas repletas de piratas y al contrapunto de tener un rango militar ficticio en las milicias creadas para una posible invasión. Del forzoso reclutamiento de jóvenes por parte de los oficiales militares para tal fin, puede venir lo de "pero por ti seré", aunque he de decir que, por lo que he leído, puede ser que el popular Son ya existiera con anterioridad, y su letra sufrió un sarcástico cambio debido a las normas impuestas por el virrey. Pero el dato definitivo se encuentra en la estrofa de las escaleras:

Para subir al cielo, para subir al cielo
se necesita una escalera grande
una escalera grande y otra chiquita
Ay, arriba y arriba, Y arriba y arriba...

Examinando una Web de un habitante de lo que fue la Villa fortificada de Veracrúz, se explica que para acceder al campanario de la catedral (sin modificaciones notables desde el siglo XVII), es necesario, una escalera larga, para llegar al tejado, y otra corta, para acceder al campanario... un dato, al menos intrigante, que realmente parece hacer alusión a los suicidios ocurridos durante el asedio del pirata holandés. Lo cierto es que el tema es muy emblemático en Veracrúz, pero lo que a nosotros nos ha llegado es un rock, de carácter y raza latina, que a mediados de los 50, revolucionó e inició un nuevo concepto musical, la fusión, algo que aunque no era nuevo, quedó más que patente gracias a un joven de 17 años con un gran futuro por delante, el mítico Ritchie Valens...


jueves, 8 de noviembre de 2012

Big Daddy "The band of '59"











 Hacemos una pequeña pausa en nuestro peculiar banquete sonoro, tras platos tan contundentes como Geoge Harrison, Jimi Hendrix, the Byrds, Led Zeppelin... creo que nos hace falta un pequeño "combinado" para refrescarnos y continuar con fuerzas. Para realizar un buen combinado siempre hay que partir de un buen licor, algo clásico, pero para sorprender el paladar hay que dar con un sabor nuevo, renovado, si la mezcla es la correcta, el resultado será sugerente, refrescante y lleno de matices. Un buen experto seguro que nos recomendaría un cocktail elegante y suave, pero yo que siempre he sido un barman atrevido, me voy a decantar por una combinación más divertida, llena de inspiración. Una combinación que he descubierto hace poco tiempo, y me sorprendió gratamente, así que copa en mano, bebamos un traguito de nuestro "Big Daddy"...

 Big Daddy son como si pusiéramos un disco de "oldies", y la radio fórmula de nuestro vecino se solapase sobre las canciones de nuestro disco de manera mágica. Su estilo puede ser considerado como satírico, una especie de banda cómica con estilo, como por ejemplo Sha-Na-Na, pero ellos van más allá de las típicas versiones, convirtiéndose en precursores de un nuevo estilo musical: el Mash-up (o Bastard Pop), un híbrido armónico (muy utilizado en la actualidad por artistas hip-hop y de música electrónica), en el que se combinan dos o más canciones en una especie de collage  sonoro. Puede que sea difícil de entender esta extraña amalgama, pero en cuanto escuchas sus temas todo cobra sentido, y comienza la verdadera diversión. Suelo divertirme poniendo sus temas a mis amigos y la reacción siempre suele ser la misma, comienzan con una sonrisa...que chula!, pero cuando comienza la letra, la cara pasa a perplejidad...esto....me suena?..anda!, y luego nos divertimos debatiendo cuantos temas podemos reconocer. Bueno, lo reconozco, a veces soy un tanto simple, pero no todo son sesudas reflexiones sobre el Pop y el Rock, uno tiene también estas cositas...



Big Daddy fueron en realidad una banda del sur de California que durante la década de los 70 se ganaban la vida a base de hacer las típicas versiones de éxitos de los 50 y 60 por locales y salas de conciertos, por aquella época se hacían llamar "Big Daddy Dipstick and the Lube Job", en su formación original estaban Lightnin’ Bob Wayne (voz), Tom "Bubba" Lee (voz y guitarra rítmica), y Marty “The K” Kaniger (voz y guitarra rítmica). Tocaron por todo el estado durante varios años, algunos miembros de la banda entraban y salía, pero el trío continuó hasta 1980, año en que el combo se disuelve. En 1981, Bob abre un estudio de grabación (Sunburst Recording) en Culver City, California, decide llamar a sus colegas para grabar algunos temas, sólo por diversión, a la jam session se une también un cantante llamado Donny “D” Raymond, y un par de músicos mas. La cosa funciona bien, el sonido es bueno, así que, casi sin quererlo, surge la opción de revivir a Big Daddy. Se suceden los ensayos, y la noticia del regreso de la banda (que en su momento ya se ganó un nombre en el circuito Oldies) llega a oídos del co-fundador de la mítica Rhino Records, Richard Foos, quien les propone interpretar temas contemporáneos al más puro estilo Doowop, de esta manera graban su primer Lp "Big Daddy … What Really Happened To The Band Of '59"..."Big Daddy history", con temas curiosidades como el "Hotel California" de the Eagles, interpretado como "Stranger in town" de Del Shannon, o el tema de "Star Wars" al estilo de Duane Eddy o the Tornadoes . Un demencial proyecto, en el que, para promover el grupo, se inventan el por que la banda sólo puede tocar nuevos temas en el estilo de los 60. Al parecer, todos ellos fueron capturados por fuerzas comunistas el en sudeste asiático en 1959, recluidos hasta los 80, momento en el fueron rescatados por la CIA, una vez en Camp David, les proporcionaron partituras de éxitos contemporáneos, pero ellos, ajenos a la evolución de la música en 20 años, interpretaron los temas de la única manera que sabían. Desde luego, sentido del humor no les faltaba...



A partir de su primer disco se convierten en una banda televisiva, aparecen en decenas de Shows, hacen jingles publicitarios, recorren todos los Estados Unidos, e incluso viajan a Inglaterra, donde acompañan al que ellos denominan "la infame estrella Glam", Gary Glitter. Sus discos salen muy poco a poco,  "Meanwhile...Back In The States" (1985), (con una maravillosa "Girls jJust wanna have fun" de Cindy Lauper, al estilo "Duke of Earl" de Gene Chandler( y "Cutting Their Own Groove" (1991) ( que incluye una fabulosa versión del "Dancing in the dark" de Springsteen a lo "Moody river" de Pat Boone, o el "Like a virgin" de Madonna como el "Venus in blue jeans" de Jimmy Clanton),  lo cierto es que tampoco son muy populares. De regreso de las islas británicas, a Bob se le mete en la cabeza regrabar íntegro, el mítico octavo disco de los Beatles, "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" al estilo de Big Daddy, aprovechando el vigésimo quinto aniversario de la publicación del disco. Con el mismo orden de canciones que el original, con el mismo espacio entre ellas, con la misma nota sostenida al final de "A Day in the Life", e incluso un mensaje oculto que sólo se escucha hacia atrás, el 2 de Junio de 1992 sale a la venta "Sgt. Pepper's", que paradójicamente, nunca fue lanzado en Inglaterra. El este (irregular) disco, los temas de los Beatles sonaban a Jerry lee Lewis, Dion Dimucci o Elvis, un divertido tributo en el que destaca "When i'm sixty-four" interpretado como el "Sixty Minute Man" de the Dominoes...



En el 94, bajo el nombre de The Benzedrine Monks of Santo Domonica, sacan un disco llamado "Chantmania" en el que recuperan éxitos de the Monkees o Nirvana, al estilo canto gregoriano de los monjes de Silos, un disco infumable, que no os recomiendo que perdáis el tiempo en buscarlo. Lo cierto es que hoy no pretendía soltaros mucho rollo, y creo que, a pesar de todo, lo he conseguido, espero que disfrutéis de estos chicos, que en un momento pueden interpretar a Rick James al estilo de los Everly Brothers, a Vanilla Ice como Chuck Berry o a Michael Jackson como Bill Halley... Buenas voces, geniales interpretaciones, sentido del humor, amor por la música, y pura diversión... disfrutadlo.




jueves, 1 de noviembre de 2012

Versión original: "Got my mind set on you"










Suelo visitar con asiduidad blogs de todo tipo, literatura, cine, misterios, historia, arte...y por supuesto música, hace poco he descubierto una bitácora muy refrescante: "Canciones de buen rollo", en ella, sus autoras reivindican el poder de la música en nuestro ánimo, y sentencian "Eres lo que escuchas". En realidad se trata de un recorrido ameno y bien narrado, por aquellos temas que por una u otra razón consiguen despertar en nosotros una emoción positiva. Este recomendable descubrimiento me trajo a la mente un optimista y brillante tema que podría encajar perfectamente en el espíritu del buenrollismo, así que, como nuestros blogs tienen planteamientos y contenidos distintos, y siempre he creído que en el mundo blogger, no hay competencia, si no más bien complementación, hoy os traigo una canción de buen rollo, indagando (como es mi costumbre) en los entresijos de su historia. Dedicado pues a Carol y a Isa, un clásico energético..."Got my mind set on you".

 Creo que muy poca gente no recordará este éxito de ventas del ex-Beatle George Harrison de finales de los 80, pero también es verdad que la mayoría ha olvidado que en realidad se trata de una versión de un tema cuyo single pasó casi desapercibido durante 1962. Lo cierto es que George Harrison era un apasionado buscador de singles, ya os conté cómo encontró en la tienda de discos de Brian Epstein, el original de Barrett Strong, "Money (That's What I Want)", fue allí mismo donde dio con el single original de "Got my mind set on you", tanto le gustó que durante las primeras grabaciones de la banda de Liverpool, en las que combinaban temas propios con versiones de otros artistas, Harrison intentó convencer a sus colegas de grabar el tema, por supuesto nunca consiguió convencerles. A finales de los 60, en pleno proceso de desintegración de la banda británica, Harrison se había convertido ya en un compositor y productor competente, su último LP "Let It Be " (Apple Records, 1970) se grabó en medio de un clima de tensión, resentimiento e individualismo, en el que cada uno ya estaba inmerso en distintos proyectos personales. Tras la disolución de the Beatles,  George saca al mercado "All things must pass", el primer álbum triple de la historia musical, en él, aparte de ciertas composiciones ex-profeso, se recoge el material que Harrison compuso para la banda y fue rechazado por Lennon y McCartney. El disco fue alabado por la crítica y respaldado por el público, gracias a temas como "If not for you", "What is life", y sobre todo "My Sweet Lord"...



Tras el asesinato de Lennon en 1980, sumido en una cierta melancolía, y desilusionado por el fracaso de su último disco "Gone Troppo" (Dark Horse/Warner Bros. 1982), Harrison decide retirarse de los escenarios y los estudios de grabación para dedicar su tiempo a otros proyectos personales. El retiro se alarga durante cinco años, pero el artista decide regresar al mundo musical, con cierto miedo al olvido del público, e intentando renovar su sonido, alejándose de sus anteriores trabajos, mas trascendentales y con influencias místicas. George recupera aquel viejo single que encontró en "North East Music Stores" en 1962. Quiere regresar con un tema impactante, pop, fresco, de ritmo simple y pegadizo. Para conseguir el efecto deseado recurre a su viejo amigo Jeff Lynne (E.L.O), que hará la producción del tema (para el resto del LP, recurre a otros grandes como Eric Clapton, Elton John o Ringo Starr). El optimista "Got my mind set on you" se aleja diametralmente de los temas introspectivos y sociales de los anteriores trabajos de Harrison, a pesar de que muchos de sus fans le tacharon de haberse vendido a lo comercial, y que algunos críticos musicales le acusaron de utilizar una fórmula facilona, para paliar la falta de ideas, el tema fue un autentico éxito de ventas en 1987, y durante el proceso de grabación del disco, Jeff Lyne  dio con el sonido y la idea que estaba buscando, que quedaría plasmado en la mayor superbanda de la historia, "The Traveling Wilburys". Harrison hizo frente a las criticas, defendiendo su giro hacia el pop, convenciendo con el argumento de la calidad, y recordando al público que su origen como músico nace del Pop y el Rock más convencional.



 Ahora regresamos a 1961, año en el que un ex cartero de Nueva York, llamado Rudy Clark, se había convertido uno de los compositores mas activos del momento. Se dice que fue el quien descubrió a el cantante afroamericano James Ray, cuando aún se hacía llamar Little Jimmy Ray, éste se ganaba la vida (mal) cantando en bares, había grabado un sencillo ("Make Her Mine") en 1959, que se fue un fracaso y acabó dejando al pobre de Ray arruinado y viviendo en una azotea. Clark convenció a los de Caprice Records para que ficharan al muchacho, le compró algo de ropa, le alquiló un apartamento, y le compuso su primer single, "If you gotta make a fool of somebody", un primer y prometedor éxito que dos años mas tarde llevarían a lo mas alto los británicos Freddie and the Dreamers. Tras componerle un par de temas más, llegó "Got my mind set on you", un dinámico tema, que no funcionó muy bien en el mercado. Con la irrupción de los grupos británicos en el mercado americano, James Ray fue olvidado, para morir de sobredosis en 1964. Una triste historia, un brillante tema, un Beatle, un gran éxito...una canción de buen rollo, hasta la próxima!

jueves, 25 de octubre de 2012

Jimi Hendrix "Guitar legend"


"Quisiera hacer una música tan perfecta que pudiera penetrar el cuerpo y curar enfermedades"
(Johnny Allen Hendrix, 1942-1970)






El joven músico americano llegó al apartamento en el que se hospedaban en el Samarkand Hotel, era un sitio bonito, allí podía trabajar en sus nuevos temas mientras se dedicaba a la promoción británica de su ultimo disco. Aquella noche la había pasado en un garito de Londres, donde el músico acompañaba en una Jam session a su viejo amigo Eric Burdon, había ido a recogerlo su nueva "novia", una patinadora alemana llamada Monika Dannemann, ella no había sido invitada (tal vez por que en la fiesta se encontraba, Devon Wilson, una de las amantes del joven). Una vez en la habitación (y según la declaración de la chica), le preparó un bocadillo de atún (aunque varios testigos aseguraron que allí no había comida) y se tomaron una botella de vino. El músico garabateó unas letras para un tema que componía (“The Story of Life"), el joven había tomado anfetaminas y necesitaba algo para poder descansar, así que decidió tomarse unos cuantos somníferos (al parecer un tranquilizante muy potente llamado Vesparax). Finalmente, cerca de las siete de la mañana la pareja descansa por fin, sobre las diez y media, Monika se desvela, así que decide levantarse para ir a comprar cigarrillos a una tienda de Portobello, deja al muchacho durmiendo con aparente normalidad. Al regresar intenta despertar al joven, no reacciona, y por la boca parece caerle un hilo de espuma. Aterrorizada busca en la agenda del músico, y encuentra el número de Eric Burdon, éste le ordena que pida una ambulancia y corre a ayudarles. Burdon llega antes que los médicos, así que decide "limpiar" la habitación, esconde toda la droga que encuentra y se guarda la letra de la canción (fue un error del cantante de los Animals, que pensó que aquello podría ser una nota de despedida y que su amigo había intentado suicidarse, de echo, en una emisora de radio dijo que su amigo se había ido cuando quiso). Cuando la ambulancia llega, los médicos encuentran al joven en su cama con su rostro cubierto de vómito, nadie más en la habitación, lo trasladan al St. Mary Abbots Hospital, pero el músico había fallecido un par de horas antes. En palabras del médico forense de Londres, el óbito se produjo por "una inhalación de vómito debido a intoxicación por barbitúricos en forma de quinalbarbitone",lo que hizo que se ahogara ocasionándole una parada respiratoria. El 18 de septiembre de 1970, fallece Jimi Hendrix, uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, ese mismo día nace una leyenda...

 Johnny Allen Hendrix nació una mañana de noviembre de 1942 en el King County Hospital de Seattle, pero poco tiempo después su nombre fue cambiado por el de James Marshall Hendrix en memoria del hermano fallecido de su padre. De origen humilde, pasó una infancia marcada por el divorcio de sus padres, con nueve años el joven Jimmy (así le llamaban entonces) pasó a vivir con su abuela paterna Nora Rose Moore, con quien encontró un mínimo de tranquilidad y estabilidad. El pequeño se refugiaba en su cuarto escuchando a Robert Johnson, Leadbelly, Muddy Waters, Howlin 'Wolf, Buddy Holly, Elmore James...sentado al borde de su cama y utilizando una escoba a modo de guitarra. Jimmy tocaba la armónica desde los cuatro años, pero un día su padre le trajo un viejo ukelele que había encontrado limpiando el garaje, y aquello lo cambió todo. Con 14 años consigue comprar por cinco dólares una vieja guitarra acústica a un vecino. Aprendió rápido, mirando y sobre todo escuchando con atención a otros músicos, en especial a B.B King, practicaba constantemente, de manera autodidacta "inventó" una nueva forma de tocar. Al igual que Django Reinhart tuvo que adaptarse a su mano tullida, Hendrix, que era zurdo tuvo que adaptarse a una guitarra diseñada para diestros, siempre tocó en posición de zurdo pero sin adaptar las cuerdas a su condición (aquellos que hayan tocado, aunque sea un poco, la guitarra, comprenderán la dificultad del tema). En 1958 fallece la madre de Jimmy, el joven está desolado, así que para paliar un poco el dolor, decide comprarle su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark 1560 blanca, que el muchacho toca sin parar, a pesar de no tener amplificador.



Pronto comienza a tocar con diversas bandas locales como The Velvetones o The Rocking Kings, abandona la escuela, a pesar de ser un buen estudiante (su único suspenso lo obtuvo en clase de... música!). Pero a principios de los 60, debido a ciertos tropiezos con la justicia, Hendrix, tiene que elegir entre pasar un periodo entre rejas o servir a la patria, con el ejercito como elección, Hendrix es alistado en 101st Airborne Division, y enviado a Fort Campbell, en Kentucky. Allí consigue sus galones como paracaidista, pero también conoce al bajista Billy Cox, con quien forma The Casuals King. Con una lesión de espalda producida durante un salto en paracaídas, y el tiempo obligatorio de permanencia cumplido, Hendrix comienza a estar incómodo en el ejercito, visita varias veces al psicólogo para conseguir la baja, intenta alegar homosexualidad, pero finalmente es su lesión de espalda la que le libera de la rigidez militar. Decide quedarse en Clarksville (Tennessee), donde continúa tocando con la banda creada junto a su amigo Cox, poco a poco se ganan un nombre en el circuito local, así que deciden ampliar fronteras y marchan a  Nashville, con la intención de tocar en la zona de Jefferson Street, el barrio afroamericano y corazón del rhythm and blues local. Esta época en particular influenció particularmente a Hendrix para sus improvisaciones en directo.

Paralelamente, y bajo el nombre de Jimmy James, entra a formar parte del Chitlin' Circuit ( una gira por locales para la comunidad cool afroamericana, dispersos por diversos estados, como el Cotton Club o el Victory Grill) , toca junto a su banda, pero también sirve como guitarra de acompañamiento a músicos de renombre como Chuck Jackson, Slim Harpo, Tommy Tucker, Sam Cooke, Jackie Wilson,...durante tres años Hendrix va definiendo su estilo, su actitud y su visión de la música. En 1964 se une a los Isley Brothers en una gira a través de los EEUU, luego con Little Richard, Ike y Tina Turner, Joey Dee and the Starliters... Hasta llegar a 1966, momento en el que decide montar su primer grupo como guitarra solista de Jimmy James and the Blue Flames, también es en esa época cuando comienza a consumir marihuana y LSD (muy de moda entonces). Durante una velada en el Cheetah Club, el guitarrista conoce a una joven morena y sofisticada llamada Linda Keith, la chica era novia de Keith Richards, se hicieron amigos y decidió presentarle a algunos amigos importantes, varios productores (incluido Andrew Loog Oldham, mánager de The Rolling Stones) declinaron apoyar al joven Hendrix, hasta que conoció al bajista de the Animals, Chas Chandler. Impresionado por el talento del joven guitarrista, y a punto de abandonar the Animals para convertirse en productor musical, Chas convocó a Hendrix en Londres, cambió el nombre de Jimmy por Jimi, y formó un trio (usando como modelo otro trio sensacional que pegaba muy fuerte entonces, los míticos Cream) junto al batería Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding, nacía así "The Jimi Hendrix Experience".



 Aquel mismo año fueron la sensación de los locales de Londres, el estilo de Hendrix, tan personal y visceral, su utilización del wah-wah, un efecto que le había enseñado un año antes Frank Zappa, y seminal manera de tocar, gustaba (y mucho) al publico londinense, sólo faltaba publicar un single de lanzamiento. El tema escogido por Chas para el trío fue un blues (cuyo lío sobre su verdadero autor ya os conté en otro post), llamado "Hey Joe". Hendrix puso mucho empeño en conseguir un resultado personal, distinto a las anteriores versiones del tema, el resultado fue un sonido descarnado, de lenta e hipnótica cadencia, mezcla de blues y psicodelia, que entusiasmó tanto al productor como al público londinense. La irrupción de the Jimi Hendrix Experience en el panorama musical del momento fue una absoluta revolución, pronto fueron conocidos en todo el mundo, "Hey Joe" paso 10 semanas seguidas en lo alto de las listas UK, las estratosfericas escalas sonoras de Hendrix y su actitud descarada y salvaje en directo elevaron al trío al Olympo del Rock. Con sus siguientes singles, "Purple Haze" y "The Wind Cries Mary" se consagraron en Europa como un valor seguro, en directo arrasaban, combinando la composiciones seminales de Hendrix junto a versiones de clásicos como "Killing floor" de Howlin' Wolf, "Rock Me Baby" de B.B. King o "Wild Thing" de The Troggs. En 1967 llega la consagración definitiva y mundial, Paul McCartney intercede para que el trio sea invitado al Monterey International Pop Festival, tres días de música que sería considerado el preludio del "Verano del amor", inmortalizado en un documental que daría a conocer al mundo el universo hippie. La banda no desaprovechó la ocasión y Hendrix dio un espectáculo superior al esperado, dejando al publico boquiabierto mientras simulaba fornicar con su Stratocaster, tocando con los dientes, por la espalda, provocando acoples con su ampli, para finalmente pegarle fuego en un éxtasis colectivo.

Lo cierto es que aquel 1967 fue un año escrito en dorado y fuego en la historia de la música, fue el año del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Cream sorprendía con "Sunshine of Your Love" (dedicado a Hendrix, por cierto), Pink Floyd comenzaba su andadura musical, the Doors arrasaban con su álbum homónimo, Van Morrison triunfaba en solitario con "Brown Eyed Girl", y por supuesto Hendrix, adorado por el público, pero más por sus compañeros de profesión, hasta Mick Jagger, con quien existían ciertos roces, dijo en una ocasión "Él era nuestro". Pero Hendrix era un genio difícil de clasificar, su inusual forma de tocar, estridente aunque ordenada, los desafines provocados, los sorprendentes agudos provocados por los "retornos" con el ampli, su manera hacer vibrar su guitarra como en un discurso verborréico acelerado...en definitiva, aquello era único, y nunca antes se había escuchado de esa manera. Pero el éxito de Hendrix iba más allá de la innovación o de cómo revolucionó la música, en octubre de 1968, los tres discos de la banda competían entre sí en las listas, en el número 5 "Are You Experienced?", "Axis: Bold As Love" (disco grabado íntegramente con la afinación de la guitarra disminuida medio tono) se encontraba en el 3er puesto, mientras que "Electric Ladyland" conseguía el número 1, gracias en parte a la descarada versión del "All along the watchtower" de Bob Dylan, quien por cierto, a partir de ese momento comenzó a tocar el tema con los arreglos de Herdrix.



Pero la problemática vida privada del artista comenzaba a trascender a la profesional, tras ser arrestado en Toronto por posesión de heroína, comienzan las diferencias con sus compañeros, el excesivo perfeccionismo de Hendrix obligaba a grabar una cantidad impensable de variaciones de los temas, además pedía a los técnicos y músicos cientos de tomas distintas de algunas partes, en busca de la "magia" adecuada. En medio de una espiral creativa, Hendrix se dejaba llevar por infinitas sesiones de afinación, jam sessions, reinventando y variando su idea inicial, introduciendo decenas de músicos adicionales, que iban i venían al estudio sin un criterio aparente. Lo habitual era que Noel Redding, abandonara el estudio, y volviera sólo para grabar su parte con el bajo, sin la presión de Jimi. Finalmente, y tras dos exitosos conciertos en el  Royal Albert Hall de Londres, la banda se disuelve. Hendrix regresa con su viejo colega Billy Cox y funda Band of Gypsies, junto al batería Buddy Miles, un error que pasaría factura, Miles tenía un estilo funky, que sacaba de quicio al guitarrista, tanto era así que en pleno concierto en el Madison Square Garden, Herdrix deja de tocar y abandona el escenario. Durante los siguientes años continuó con su amigo Cox, incluso estuvo con el en el mítico festival de Woodstock, convirtiendo su actuación en un verdadero símbolo del festival (otro día dedicare un tiempo a explicar las miles de anécdotas de Woodstock). Tras este controvertido festival (con el "The Star-Spangled Banner", himno de los Estados Unidos interpretado de manera salvaje por Hendrix), luego viaja a Londres, y ya sabemos el resto...

Suele ocurrir que los artistas que mueren pronto, suelen estar sobrevalorados, aunque su aportación al mundo sea breve, se mitifican y elevan en demasía. Pero eso es injusto, ciertas grandes figuras de la música, con largas trayectorias a sus espaldas, también son recordados por un momento puntual de la misma, un sólo éxito, un disco rompeventas o, como mucho, unos pocos años de creatividad afortunada. Pero Hendrix fue uno de los artistas mas creativos y personales del pasado siglo XX, su manera de "vivir" la guitarra, es comparable a muy pocos artistas, sobrepasó las posibilidades de su instrumento, llevándolo a explosivos y emocionantes límites. No se puede discutir que tenía un extraño hechizo, uno de esos "mojos" que sólo los músico reconocen y que hizo de él lo que es. Una leyenda de la guitarra..