jueves, 31 de marzo de 2011

Del Shannon "The Runaway"

Hoy de nuevo traemos otra trágica historia del pop, un mito musical que tocaría el cielo del éxito, pero cuya compleja personalidad y amarga existencia le llevarían a un triste y precipitado final. Fue sin duda alguna uno de los mejores y mas originales interpretes de mediados de los 60, pero tambien de los mas atípicos, considerado por muchos como un ídolo de adolescentes sin embargo la compleja amargura de sus composiciones, cargadas de rechazo, abandono y fracaso, le colocan en un plano aparte de sus coetáneos. Sin embargo os que le conocieron le recuerdan como un hombre cariñoso y amable, para los que no lo hicimos siempre nos queda un hueco en el corazón para su inmortal hit...

Charles Weedon Westover fue a nacer en Coppersville, un pequeño pueblo granjero de Míchigan, hacia finales de 1934. Sus padres, Bert y Leone, vivían la típica vida de campo, su madre tocaba el Ukelele en las fiestas de los graneros (algo que no gustaba a su padre, un camionero con poco aprecio musical), y fue quien le enseñó a tocar la guitarra. La música apasionaba al pequeño Charles, aquel primer instrumento se convirtió casi en una obsesión para él, tocaba en casa, en fiestas escolares, durante el recreo, durante la clase...Tanto tocar distraía tanto a sus compañeros, que era constantemente castigado y encerrado en el cuarto de baño, evidentemente allí seguía tocando (él mismo recuerda que en aquellos castigos descubrió los secretos de la sonoridad de una habitación cerrada). Luego estaba lo de las chicas, nunca fue muy agraciado, era algo bajito para su edad, un tanto enclenque y no muy dotado para los deportes, por lo que su popularidad entre las féminas era mas bien nula. Fue en el baile de graduación cuando recibió el primer vapuleo sentimental, había invitado semanas atrás a una chica llamada Karen, era una belleza y sorprendentemente había aceptado, sin embargo y justo antes de la fiesta la joven lo rechaza para salir con un deportista, uno que solía mofarse del pobre Charles y su guitarra. Aquel revés marcaría profundamente al joven, sumiéndolo en una depresión, de la que, al parecer, nunca consiguió salir del todo.

 Pero el corazón de Charles estaba tan necesitado de cariño, que con tan sólo 16 años le pide matrimonio a una joven que andaba por el pueblo como temporera en la campaña de fresas. Aquella joven se llamaba Shirley Nash y se convirtió en la esposa del muchacho en 1950. Un poco mas tarde, Charles tiene que cumplir el servicio militar y (al igual que Elvis) es enviado a Alemania, y por supuesto su guitarra fue con el. A su regreso se instala junto a Shirley en Battle Creek, donde se convierte en vendedor de alfombras por catalogo, mientras organiza una banda de Country-Rock con la que toca en un club llamado Hi-Lo. La primera vez que le anuncian como Charles Westover, decide que necesita un nombre artístico, algo con mas sonoridad, de su coche favorito (Cadillac Coupe deVille's) se apropia el nombre, o su abreviación, y el apellido se lo copia a un famoso luchador del momento, un tal Mark Shannon (tal vez por una frustracion, debido a su constitucion delgada), es así como nace Del Shannon.

Durante dos años toca en el Hi-lo junto a su banda, Charlie Johnson and The Big Little Show Band, habían reclutado a un nuevo teclista, una especie de genio local que había ganado cierta popularidad con sus artefactos electrónicos, se llamaba Max Crook. Una noche, en pleno descanso entre tema y tema, Max comienza a tocar en el piano una sencilla sucesión de acordes (La menor, Sol) que llama la atención de Del Shannon, entusiasmado, reproduce los acordes en su guitarra y da unas pequeñas indicaciones al resto de músicos, con los que se pone a improvisar una melodía, aquel momento fue el germen del mayor exito de su carrera "Runaway", pero le supuso una bronca del dueño del local que les obligo a terminar y a tocar "los temas de siempre".

Al día siguiente Shannon ya tenía compuesto el tema y lo estrenaron en el local, Max, por su parte, había creado un sintetizador especial (segun su descripcion: un teclado monofónico de tres octavas con un deslizador que me permite tocar un rango de sonidos entre dos ciclos por segundo) al que llamó musitrón y cuyo sólo en aquel tema pasaría a la historia del pop. Una de aquellas noches el disc-jockey Ollie MacLaughlin le ficha para el sello Embee (una filial de Big Top Records), para grabar aquel extraño tema. Pero durante la grabación los productores descubren que en el climax del tema, Shannon no puede llegar a las notas mas altas, desilusionados mandan al cantante a su casa. Sin embargo, empeñados en hacer un éxito de aquella sesión, descubren que acelerando un poco la voz de Shannon, las notas encajan a la perfección con la melodía, el tema llegó al numero uno en su primera semana en el aire, sin embargo Del Shannon nunca supo que su voz había sido manipulada artificialmente.

 Durante algunos años todo le fue de maravilla, encadeno diversos éxitos "Hats off to Larry", "So long Baby", "Keep Searchin", "Little Town Flirt"...junto a labores de produccion, fue tutor y manager de Brian Hyland, que se convirtió en el hermano que nunca tuvo. Hizo una exitosa gira por Europa en 1963 donde coincidió con cuatro chicos de Liverpool que le dejaron impresionado, ese mismo año grabaría "From me to you", convirtiendose en el primer americano en versionar a los Beatles, un poco mas tarde haría lo propio con los Stones y su estupenda version del "Under My Thumb". Pero durante esos años Shannon tambien comienza a aficionarse al alcohol, está aguantando bien el tirón de las bandas britanicas, pero comienza a pensar que sus temas han perdido frescura, lleno de inseguridades cae en una espiral de automedicacion, depresion y alcohol.

Pasa la década de los 70 hundido, hasta que en 1978 abandona el alcohol y regresa a los escenarios, toca con Jeff Lyne y Dave Edmunds, y en 1981 graba un nuevo disco "Drop down and get me" producido por otro admirador suyo, Tom Petty, que incluía un clásico de Sam Phillips "Sea of Love". Sin embargo no consigue mantener una carrera fuera del circuito "oldies". En 1983 es nombrado Grand Marshall de la ciudad de Coopersville y graba una nueva versión de "Runaway" (con una nueva letra) para la serie Crime Story, y de nuevo se convierte en exito. Sin embargo la depresión había anidado definitivamente en el corazón de Shannon, que comienza a probar un nuevo fármaco, el Prozac.

 En 1988 con el fallecimiento de Roy Orbison, sus viejos amigos Jeff Lyne, Tom Petty y Dave Edmunds le proponen como candidato para sustituirle en los Traveling Wilburys, todo parece reconducirse de nuevo, sin embargo y sorprendentemente, el 8 de febrero de 1990, Del Shannon decide acabar con su vida descerrajandose un tiro en el cráneo con un rifle del calibre 22, su mujer siempre sostuvo que aquella decisión tuvo mucho que ver con el efecto que el Prozac causaba en el cantante.
 Tal vez la figura de Del Shannon sea un tanto desconocida, su musica un tanto atipica en la década de los 60, sin embargo su talento, su falsete comedido y una especial sensibilidad y originalidad en sus temas le convirtieron en un referente para músicos de posteriores generaciones. Sin embargo fue su mayor éxito el que pasará a la historia, versionado cientos de veces, incluido en decenas de Bandas Sonoras, un tema mítico y eterno, unos acordes imposibles de olvidar, sencillo, directo y mágico, la quitaesencia del pop...."Runaway".


jueves, 24 de marzo de 2011

Robert Gordon "Red Hot"



Hace ya bastantes años, por Valencia (y por España en general), disfrutabamos de una nutrida variedad de opciones de musica en vivo, los distintos locales destinados para conciertos, ofrecían de jueves a sabado un abanico de estilos musicales y artistas de diverso calado. Desde una "Jam session" de Blues, pasando por los grupos del momento como Loquillo y los Trogloditas o los Rodriguez, míticas estrellas como B.B King, Jethro Tull o Jerry Lee Lewis y otros mas "underground" como Jonathan Richman o Sleepy Labeef...Yo los disfrutaba todos, pero recuerdo especialmente uno, era alguien deconocido para mí entonces, me impactó su aspecto de rockero trasnochado, algo acabado, luciendo un imponente tupé y mirada tímida , tras unas gafas tipo Buddy Holly, que se quitaba justo antes de subir al escenario, momento en el que descubrias una tremenda voz de barítono poseído por el espíritu de Carl Perkins. Aquella combinacion de imagen de estrella apunto de apagarse junto a su Rock potente y sucio, me deslumbraron aquella noche y me descubrieron al ultimo rey del rock underground, una leyenda viva que pasea su castigado y viejo ritmo todavía por los escenarios de medio mundo, mr Robert Gordon...

Robert Gordon (o R.G, como le llaman sus amigos) nació en Bethesda, un suburbio de Washington D.C, en 1947, su padre trabajaba para el gobierno por lo que el pequeño Robert no pasó las apreturas de sus vecinos, desde muy pequeño se aficionó a la música, escuchaba en la radio los temas de moda en aquellos años. Entonces llegó 1956 y un fenómeno que cambiaría el rumbo de la música y el destino del pequeño R.G., Elvis Presley llegaría por primera vez al numero 1 en las listas con "Heartbreak Hotel", manteniendose durante ocho semanas seguidas y revolucionando el mercado musical. Aquel tema marcaría profundamente a Robert, que tan sólo tenía 9 años, ese sonido estaba hecho para él, justo al escuchar el mítico tema, Gordon decidió que su camino estaba en el negocio musical.
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Con tan solo 15 años decide comenzar una carrera como cantante, con Elvis, Cochrant y Vincent como referencia, Gordon se enfrenta al cambio de rumbo del mercado, la British Invasion estaba pegando fuerte y el viejo Rock & Roll estaba siendo relegado a un segundo plano. Pero a Robert no le interesaban los invasores ingleses, fiel a su estilo, se une a diversas bandas locales (como the Confidentials o the Newport) para seguir luchando por el Rock. Pero los turbulentos años 60 obligan a hacer un receso al joven, para librarse de ir a Vietnam decide ingresar en la Guardia Nacional, una decisión que le obligará a vivir fuertes experiencias debido a los múltiples disturbios y manifestaciones que sufría la capital de la nación. Durante aquellos años abandona la música, se casa y se convierte en padre de dos pequeños (Jesse y Anthony) con tan sólo 19 años. En 1970 se muda con su familia a Nueva York, donde abre una tienda de ropa, a Gordon siempre se le había dado bien trabajar con sus manos, así que durante un tiempo hace un montón de prendas de cuero. Pero la monotonía hace mella en el espíritu inquieto de R.G. y en 1975 se divorcia de su mujer y se reencuentra de nuevo con sus sueños.

En aquellos años Nueva York era un hervidero de creatividad, era la época del "New Wave", el Punk estaba pegando fuerte, grupos como Blondie o the Ramones estaban marcando la tendencia, bueno, Gordon pensó que aquello tambien era Rock. Se convierte en vocalista de Tuff Darts, una banda de Punk, con la que graban un tema en un Lp recopilatorio de nuevos grupos. Aquel tema no pasaría a la historia, pero serviría para que se fijase en su presencia y voz, un productor discografico (Richard Gottehrer) empeñado en revitalizar el Rockabilly. Entre los dos intentan recuperar el viejo espíritu del Rock, por lo que Gordon sugiere que la guitarra del mítico Link Wray es lo que necesitan, contactan con él y acepta encantado al escuchar a R.G., al que compara con un joven Elvis Presley. La gradación de aquel disco fue como volver a la década dorada del rock, finalmente un tema que en principio fue descartado se convierte en single y da título al disco, se trata de "Red Hot". La casualidad quiere que cuando el disco sale al mercado, el Rey del Rock fallece, rapidamente la prensa y el público convierten a Gordon en heredero natural y sucesor por derecho de Elvis.

Aquel éxito, coloca el Rockabilly de nuevo entre los discos de moda, comienzan a triunfar grupos como Stray Cats, así que Robert y su productor no dejan escapar la oportunidad y graban un segundo disco ("Fresh fish special", 1978) donde ahondan mas todavía en el recuerdo a Presley, incluyendo a the Jordanaires en los coros, y la colaboración especial del "jefe" Springsteen, que presta a Gordon un tema suyo "Fire", un tema escrito originalmente para Presley y que el "Boss" siempre quiso escuchar en rockabilly, incluso decide acompañarlos en la grabacion tocando el piano. Aquel disco, a pesar de su calidad, no tiene mucho exito, aunque una version del tema de Bruce por las Pointer Sisters coloca el disco un poco mas arriba en el mercado. Aquel fracaso supondrá el fin de la (estupenda, creo yo) relación con Likn Wray, que tras una acalorada discursion con R.G. abandona el grupo.

Tras un tiempo de retiro, Gordon ficha con RCA y decide asociarse con un joven guitarrista que estaba pegando fuerte, se trataba de Chris Spedding, junto a él elabora un nuevo Rockabilly, sustituyen el contrabajo por un bajo eléctrico y graban el estupendo "Rockabilly boogie" (1979). El nuevo sonido es genial, un Rockabilly adulto, virtuoso y energico, con un referente claro: Gene Vincent, es una etapa prospera y creativa, pero el rockabilly es ya u producto de minorias. A partir de este momento (y hasta hoy) la carrera de Gordon ha sido una autentica montaña rusa, con exitos relativos, fracasos, largas temporadas de absoliuto olvido, resurgimientos, concesiones al pop, como "Someday, someway", que fue un autentico éxito de ventas (un disco producido por el autor del tema, Marshall Crenshaw), tambien participó como actor en peliculas ("The loveless", Kathryn Bigelow 1982) cuya banda sonora se nutre de temas de Gordon, para acabar siendo un habitual en el circuito de locales de rock, realizando un millon de conciertos por todo el mundo.

Posiblemente no sea la gran estrella de la música, pero ha sabido mantener el listón bien alto y ha trasmitido el espíritu del viejo Rock & Roll a varias generaciones, por eso y por que es uno de los ultimos rockeros que todavía dan lecciones de talento sobre un escenario, esta semana recuperamos la figura del músico y crápula de cuero negro, Harley Davidson y Bourbon, una figura mítica y clave en la evolucion del R&R. Robert Gordon:...como dice mi cuñado, "los viejos rockeros nunca mueren, pero se cansan" ... .

miércoles, 16 de marzo de 2011

Micky y los Tonys "Megatón Yeyé"

Pues sí, en España también tuvimos nuestro " 'A Hard Day's Night" particular, bueno....mas o menos. Aquella película fue 'Megatón Ye Ye', y lo mas curioso es que no estaba protagonizada por los Mustang, nuestros Beatles hispanos, ni siquiera por los Brincos, cabezas de cartel y buque insignia de nuestro mejor pop. Y la expliación es sencilla, muy pocos grupos españoles hacían verdadero sonido "beat" en aquellos años, excepto un grupo fresco, desinhibido, sarcástico y con una potente instrumentación, un pionero grupo del pop español, liderados por Micky "el hombre de goma" descubrieron el beat, el surf, el garaje... a la errática España de los 60.

La andadura del grupo comienza en Madrid, hacia 1960, cuando un adolescente Antonio del Corral "Tony", hábil con la guitarra, decide formar un grupo al que pone su nombre Los Tony's. Junto a él se encuentran Fernando Argenta (guitarra rítmica, hoy en RNE: "Clásicos populares"), Juan María Fuster (bajo), Enrique Modolell (batería) y como cantante un muchacho llamado Toñín. Comienzan a tocar en las fiestas de los institutos los temas de moda venidos del mercado anglosajón, pero el problema era que Toñín no dominaba muy bien el idioma de Shakespeare. Fue precisamente en una improvisada actuación en un colegio madrileño donde descubren a un muchacho de 16 años, con un descaro escénico tremendo y una soltura con el inglés algo insólita. Se trataba de Miguel Ángel Carreño "Micky", era hijo de un diplomático y había pasado su infancia en Belgica y Jordania, por lo que dominaba a la perfección el francés y el inglés. Ni que decir tiene que al pobre Toñín le dieron pasaporte en cuanto Micky aceptó unirse a la banda.



Con un cantante plurilingüe a la cabeza deciden sacarse el (necesario entonces) carné de profesionales y comienzan a tocar por la capital hispánica. Pasean sus versiones de Rock y pop por el Castellana Hilton, el cine Alcalá Palace y el Airmen's Club (en la base aérea de Torrejón), donde un sargento de color siempre les pedía que tocaran "Twist and shout", pero como no sabían de que demonios hablaba aquel tipo, siempre acababan dedicándole "Tequila". Pero aquella petición marcaría el rumbo del grupo, buscaron el tema, y al escuchar la versión que los Beatles hacían de aquella canción, el sonido de los Tony's cambió radicalmente. Aquel nuevo estilo les hace un nombre entre los numerosos grupos que frecuentaban las salas de fiestas e institutos en Madrid, por lo que son incluidos en el cartel del primer Festival del Price (18 de noviembre de 1962), junto a grupos como los Estudiantes, Dick y los Relampagos o los Pekenikes. Anunciados al grito de: ¡los Tony's, magos del Rock!, saltan al escenario y es en ese momento cuando la figura de Micky se convierte en una autentica sensacion. Todo un showman, su carisma escénico eclipsaba a sus compañeros, es puro nervio, enérgico, inquieto, cantaba, bailaba, animaba al público, su movimiento constante y sus peculiares contorsiones le harían ganarse el apelativo de "el hombre de goma".
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Durante el siguiente año cantan por los locales mas emblemáticos de Madrid e incluso viajan a otras capitales, como Barcelona, para participar en diversos festivales. Finalmente la casa Zafiro decide ficharles y graban su primer disco, durante aquel año el apostrofo se había caído definitivamente del nombre del grupo por lo que aquel disco sale como los Tonys. Su primer tema, "Ya tengo todo" es una versión del “I got a woman” de Ray Charles., y a la postre será el ultimo disco como los Tony's, ya que la popularidad y el carisma de Micky hacen que la productora decida poner su nombre a la cabeza de la banda. Entre 1963 y 1964 efectúan numerosas grabaciones como Micky y los Tonys, buenas grabaciones que sin embargo no hacían justicia al vibrante directo del grupo. Tal era el revuelo que causaban que en una actuación en el club Parnaso de Madrid, la policía irrumpió en medio del show (alertados por varios altos cargos militares, vecinos del inmueble) al grito de: “Todos a vuestra puta casa, coño” dispuestos a acabar con los rojos, melenudos, homosexuales y gente de mala calañas que, según ellos, acudían a aquellos aquelarres. Anécdotas aparte (hay muchas, en un pueblo, acompañando la Revista de Nati Mistral, casi son apaleados por tocar Rock&Roll ante una audiencia de gustos mas "primitivos" o convencionales) la banda graba buenas versiones de temas como "The Rhythm of the Rain", "Non ho l'età", "You're the Devil in Disguise" o el "Bad To Me" ("No Me Dejes") de Billy J. Kramer & The Dakotas o "Here I Go Again" ("Vuelvo Otra Vez") de The Hollies.


Para finalizar 1964 graban en inglés "The House of the Rising Sun", posiblemente nunca pensaron que un año mas tarde serían los encargados de abrir la actuacion de Eric Burdon & the Animals en su paso por la capital madrileña. En 1966 también serían los teloneros de otra gran banda en su paso por España, en este caso fueron The kinks, estas actuaciones nos dan las pistas del respeto que se tenía por Micky y los Tonys . Por aquella época los Tonys también componían sus propios temas que intercalaban entre las versiones de los éxitos de moda, la ironía y el sarcasmo de sus letras fueron su sello constante y es especialmente patente en temas como "Guau, Ladrido del Perro Cuando Ladra", "No Comprendemos Por Que No Somos Millonarios", "No Se Nadar" o "La Gallina" (estos dos ultimos fueron posiblemente su mayor exito).

Pero volvamos a 1965, el productor cinematográfico Francisco Lara y el director Jesús Yagüe van a producir la primera genuina película Pop española, teniendo la famosa cinta de los Beatles como referencia. Con los planteamientos de Richard Lester en sus trabajos con los cuatro de Liverpool y con las técnicas de rodaje que se estaban empleando en los programas de Tv inglesa (en especial, 'Ready, Steady, Go!'), sale la progresista "Megatón Yeyé". Los protagonistas de la pelicula eran Juan Erasmo "Mochi" y María José Goyanes, a ellos les correspondía la parte del romance, mientras tanto el humor y el surrealismo pop caía en manos de Micky y los Tonys. En sus apariciones en la película es patente la influencia del "free cinema" británico, con escenas rodadas camara al hombro, de aire casi documental, con mucha gente bailando y un extraño sentido del humor (como la declaracion de pricipios de Micky: "Me asusto de los taxis, me dan miedo las viejecitas, me gustan los marcianos, no me gustan las excursiones..."). Pero por encima de todo está la música del grupo, todos los temas eran de composición propia, y sirvieron para publicar el único Lp de la primera época del grupo, excelentes composiciones beat y Rhythm & Blues de las que destacan "Ya No Estás", "Sulfer Soap" o "Pretty Baby" o "I'm Over" (que en el filme lo tocan Los Shakers).

Ese mismo año Fernando Argenta deja el grupo para cumplir con el servicio militar, en su lugar entra Francisco Ruiz, ex-miembro de los Shakers, al que conocieron durante el rodaje. Pero a partir de ese momento la vida de los Tonys comienza a apagarse en la misma medida que la figura de Micky como solista comienza a brillar más. Micky centra su popularidad en el cine, rueda la segunda parte de "Megatón" junto a mi admirado Bruno Lomas y Massiel "Codo con codo" de Víctor Aúz y junto a Julio Iglesias "La vida sigue igual", donde no canta ni siquiera un tema. Además inicia una prometedora carera como locutor de radio con su programa "Windy Club" en Radio Madrid. Esta independencia de Micky haría mella en el grupo que pone fin a su historia en 1970.

No voy a hablaros de la carrera de Micky en solitario, sobrada es su fama gracias al exitos como "El chico de la armónica", "Soy así", "Bye, Bye Fraeulein" (numero 1 en España, Alemania y Países Bajos) y por supuesto su paso por Eurovision en 1977 con "Enséñame a cantar", en 1981 se unió junto a su antigua banda para grabar un single para Columbia, esta reunion les llevaría a grabar el segundo (y anecdotico yá) Lp para discos Belter. Pero creo importante reivindicar la figura de uno de los grupos pioneros del primer pop español, aquellos que asentaron las bases y revolucionaron un mercado que comenzaba a despuntar, su enorme versatilidad, su originalidad y su personal impronta, que nos acercó al verdadero espíritu del "swinging london", les hace merecedores de entrar en nuestro semanal repaso a los mitos que configuraron la historia de la música pop. Una mirada atrás sin nostalgia, con cariño y con una sonrisa sincera...Micky y los Tonys.


jueves, 10 de marzo de 2011

Creedence Clearwater Revival "Pure Rock"

Si pronuncias su nombre es posible que cualquiera con un poco de cultura musical les conozca, a algún aficionado le suene, y que muchos incluso no sepan de si hablas de algún componente de informática. Pero si pones sus canciones es dificil encontrar a alguien que al menos no haya escuchado alguna vez, al menos cinco de ellas. Ellos fueron la evolucion natural del Rock, sus temas son tan conocidos y recordados como los de Elvis, Janis Joplin, the Beatles o the Doors, utilizados hasta la saciedad en infinidad de películas, series de Tv, anuncios publicitarios e incluso nombrados (como virtual banda sonora) en multitud de libros de ficcion. Sus canciones nunca pasan de moda, su potencia, su estilo, fiel al Rock más clásico, sin renunciar al Blues, al Country o incluso al Pop, retratan y componen un perfecto mosaico de lo que fue un país y una década a medio camino entre la tradición y el cambio, la de los 6o, ellos la Creedence Clearwater Revival, una banda mítica, y esta es su historia...

La andadura de la banda comienza en 1958, en El Cerrito, una zona residencial de California fundada por los supervientes del terremoto de San Francisco, donde dos amigos de la escuela secundaria (John Fogerty, guitarra y voz y Doug Clifford, batería) que comparten el mismo gusto por el blues y el rock deciden unirse para tocar juntos. John había comprado meses atrás una guitarra Silvertone y un ampli con prestamo al que le abaló su madre y lo que conseguía repartiendo periódicos por la zona, Doug, por su parte tocaba maceteros y bidones vacíos con trozos de palos de billar.

Así en el sótano de la casa familiar, aprendieron juntos, mas tarde invitaron a otro amigo de Doug, Stu Cook (bajo), que había estudiado piano clásico, para que les acompañara en su banda: the Blue Velvets. A finales de 1959 ya andaban tocando por ferias y fiestas de instituto por toda la zona. Eventualmente les acompañaba el hermano mayor de John, Tom Fogerty, que los chicos admiraban mucho ya que era una especie de celebridad, se ganaba medianamente la vida como músico en diversos grupos (compaginandolo con su trabajo en la compañía eléctrica), primero en the Playboys y luego en Spider Webb and the Insects, dicen que su voz era impresionante, su version del tema de Bobby Freeman "Do You Wanna Dance", provocaba gritos de histeria entre las fans del muchacho.

Justo ese mismo año Spider Webb and the Insects se separan, mientras Blue Velvets habían grabado como músicos de estudio junto a James Powell (un cantante de Richmond, a medio camino entre el DooWop y el Blues) el tema "Beverly Angel", así que Tom (cuatro años mayor que los Velvets) une sus fuerzas a la de los tres jovenes y graban juntos una maqueta que deciden enviar a varias discograficas bajo el nombre de Tommy Fogerty & The Blue Velvets, finalmente Fantasy Records se interesa por los muchachos, que los contrata como músicos para otros artistas. Pero la energía y la audacia de la banda convence al propietario de del sello y decide reinventarles como The Golliwogs, aprovechando el tiron de las bandas britanicas y la voz de Tom, muy al estilo de los grupos de sonido Beat que dominaban el mercado en aquel momento.



Así comienzan a tocar y grabar, consiguen vender 10.000 copias de su single "Brown-eyed girl" (nada que ver con el tema de Van Morrison) que incluía en su cara "b" un tema compuesto por Tom "Walk on the water", que no funciona muy bien, pero que años mas tarde la banda rescataría y grabaría con nuevos arreglos. Pero los equipos de sonido con los que solían actuar en directo eran de una calidad mas bien dudosa, por lo que Tom empieza a dudar de su capacidad y durante una temporada John empieza a cantar como solista los temas de la banda, su potente timbre y su extraordinaria confianza comienzan a solventar con creces la falta de calidad de los medios técnicos, esa manera de cantar desgarrando a gritos la melodía se convertirían en el sello de la banda.

En 1966 John y Doug son llamados a filas, un mal año, con la guerra de Vietnam como destino asegurado para muchos jóvenes americanos, mientras, Tom se hace con las riendas del grupo e impone de nuevo su estilo. Pero en 1968 con Fogerty y Clifford de nuevo en la banda y con miles de ideas nuevas, crean un calendario de ensayos y comienzan a tocar por los clubes de la ciudad los nuevos temas compuestos por John. La discográfica del grupo, Fantasy Records, había sido vendida a un grupo de inversores, así que un nuevo directivo de la discografica, Saul Zaentz, les dice que las cosas están muy mal, le gusta el grupo, pero necesita cambios, había detectado el triunfo de grupos como Grateful Dead o The Great Society (mas tarde Jefferson Airplane)estaban pegando fuerte, así que pone a la cabeza de la banda la voz potente y energica de John y el grupo pasa a llamarse Creedence Clearwater Revival, Creedence por un amigo de Tom (Creedence Nuball), Clearwater por el anuncio una marca de cerveza (Olimpia beer, que la publicitaban como clear water, agua limpia) y Revival, por haber conseguido reunirse tras la pesadilla de Vietnam y por su estilo musical (rescatando los sonidos tradicionales), en el camino quedaron otras propuestas como "Muddy Rabbit" o "Creedence Nuball and the Ruby".

John Fogerty suele decir "la parte mas importante de la banda, fue su resurgimiento", es cierto, llevaban años tocando sin rumbo fijo y de repente sin más las piezas encajaron a la perfección, siempre habían estado ahí, solo hacía falta un pequeño ajuste. Y ese fue el liderazgo y voz de John, hasta su hermano Tom lo reconocería años mas tarde "Yo podía cantar bien, pero John...tenía un sonido!...". Con nuevas y grandes ideas en la cabeza, entran en el estudio de grabación, uno de los primeros temas de aquel nuevo disco era una versión extendida (mas de 8 minutos) de uno de los temas favoritos de John, "Susie Q" de Dale Hawkins. El exito del tema llegó incluso antes de que saliera a la venta el disco gracias a una emisora de radio alternativa, KMPX, que radiaban sin parar cintas y maquetas de la banda, tras el apoyo de estos a una huelga de D.J's en el que tocaron gratis para animar el cotarro. El caso es que "Susie Q" se encuentra ya en el numero 11 de las listas cuando el disco sale a la venta.

Pero como ya sabeis, la guerra de Vietnam seguía su curso, y por ese motivo Doug y John debían mantenerse en la "reserva" hasta 1969, sin poder alejarse de su residencia, y debiendo estar en un campamento militar un fin de semana al mes, la promocion del album y los conciertos fueron realmente limitados. Pero finalmente son licenciados y con ello llega la eclosion total de la banda, su siguiente disco "Bayou Country" les coloca en la cima de la popularidad, con un John Fogerty en su mejor momento compositivo, su nuevo trabajo se aleja de la psicodelia de su anterior exito y se centran en los sonidos sureños, el climax se alcanza con la magnifica "Proud Mary", un éxito absoluto en las islas británicas y la mejor canción de aquel 1969 en USA. El exito les lleva hasta el festival de Woodstock, tocaron el segundo día, tras Grateful Dead, pero la experiencia no les gustó demasiado, salieron a actuar cerca de la 02:00 de la madrugada y se enfrentaron a un auditorio mermado por el cansancio y los excesos que querían que acabaran para ver a Janis Joplin. Cuando montaban la película sobre aquel histórico macro festival, la Creedence renunció a salir en ella y la discográfica solo autorizó a incluir en la BSO algunos de los temas que interpretaron aquella noche.




Pero la Creedence por aquel entonces ya se había convertido en "la gran banda de Rock americana", sus siguientes trabajos les mantendrían siempre en la parte alta de la tabla de popularidad, "Down on the Corner", "Fortunate Son", "Bad Moon Rising", "Cotton fields", "Travelin' Band"...temas en los que se demostraba la madurez del grupo y la genialidad de John en las tareas de composición, arremetían contra la guerra de Vietnam y hacían severas criticas sociales. Pero como a muchos otros grupos, los desencuentros, la crispación y el desgaste producido por los años, hicieron mella el el grupo, Doug pensaba que ya no hacían Rock&Roll, Tom no encajaba muy bien el protagonismo de su hermano pequeño y John, por su parte, estaba harto de que la crítica les tacharan de involucionistas y retrógrados, intentó renovar su estilo con nuevos sonidos y secciones de viento, pero solo consiguió alejarse mas de su publico. Tom finalmente se retira para probar suerte en solitario mientras los tres miembros originales graban el que sería su ultimo disco, "Mardi Grass" un disco en el que Clifford y Cook se encargaron de la composición junto a John, que además se encargaba de las tareas de producción. Aquel ultimo trabajo fue un completo fracaso y demostró que, si bien era John un genio, la mano experta y la orientación de Tom habían sido el contrapunto perfecto para el sonido Creedence.

John comenzó (mal) una carrera en solitario, en el limite de lo absurdo su antigua compañía discográfica (Fantasy Records) le demandó por copiar el sonido de la Creedence, es decir por plagiarse a si mismo, evidentemente ganó el pleito, pero tras grabar otro disco se retiró del negocio musical, al que ha regresado en reiteradas ocasiones. Stu Cook tocó un tiempo con Southern Pacific, para acabar junto a su viejo amigo Doug Clifford, con quien fundó Creedence Clearwater Revisited para tocar los viejos temas que les hicieron famosos, John nunca quiso acompañarles. Lamentablemente, Tom Fogerty falleció a los 48 años (1990) por una infección tuberculosa, había contraído SIDA por una transfusión en una intervención años atrás y su estado de salud era bastante inestable.


The Creedence Clearwater Revival, la banda de Rock con mayúsculas, un suceso necesario en la historia de la música, un sonido imprescindible e imperecedero, con sólo cuatro años de historia (como C.C.R. desde 1968 a 1972) en activo y siete trabajos discográficos, marcaron el ritmo a seguir, consolidando y renovando un estilo clásico y su influencia es notoria en cualquier banda de rock actual. Un cuarteto genial gestado en un garaje, un grupo de culto para generaciones pasadas y venideras, con un lema grabado a fuego en su música..."Larga vida al Rock & Roll!!"



miércoles, 2 de marzo de 2011

Django Reinhardt "Jazz manouche"

« La guitare qui rit, qui pleure et qui parle, la guitare à voix humaine», ...así lo definiría Jean Cocteau a mediados de los años 30... “ Esa guitarra que se ríe y llora, guitarra con voz humana”. Analfabeto, incapaz de leer o escribir una sola nota musical, con solo tres dedos utiles en su mano izquierda se convirtió, junto a su amigo Stéphane Grappelli en el músico de Jazz europeo mas importante de la historia, revolucionando el swing y fusionandolo con la música tradicional gitana, conocido como "el gitano de los dedos de oro" su trascendencia e historia merecen ser contadas hoy en nuestro blog...avec plaisir monsieur Django.


Jean Baptiste “ Django “ Reinhardt nació en Liberchies, Bélgica en 1910, en el interior de una caravana del campamento nomada gitano al que pertenecía su familia. Creció arraigado a las tradiciones de su "tribu", aquellos gitanos Sinti o "Manouches" tenian sus propias creencias y costumbres, nómadas por naturaleza viajaban por Italia, Francia y el norte de Africa, desconfiaban de la ciencia moderna y mantenían un estilo de vida casi medieval, por lo que el pequeño Jean Baptiste nunca tuvo juguetes ni vivió en otro sitio que aquella caravana hasta mas allá de los 20 años. Pero lo que si había en aquel campamento era música y al pequeño Django le encantaba. Su primer instrumento lo tuvo a los 12 años, era un banjo que le regaló un vecino del campamento enterado de la fascinación del pequeño por la musica, en aquella época la tribu acampaba en las fortificaciones de la zona antigua de Paris, cerca de la puerta de Choisy. El pequeño Django ayuda a su familia, había aprendido a tocar aquel primer instrumento viendo a otros artistas callejeros, y lo hacía sonar de maravilla mientras su padre y hermanos hacían el típico espectáculo gitano de la cabra y el oso.

La destreza del joven zíngaro llega a oídos de los bohemios músicos parisinos y con solo trece años comienza su carrera musical, inicialmente acompañando al popular acordeonista Guerino en sus actuaciones en un local de baile de la Rue morgue, en poco tiempo todas las bandas de Polka y música popular de Paris querían tocar con el pequeño gitano. Un par de años mas tarde Django hace sus primeras grabaciones con los acordeonistas Jean Vaissade y Victor Marceau para la Ideal Company, como el gitano no sabía leer ni escribir (ni aprendió nunca a lo largo de su vida), en aquellos discos su participacion con el banjo aparece bajo el nombre de "Jiango Renard".

Reinhardt ya se había ganado una reputación considerable como músico en los clubes de París, además de la de jugador empedernido, juerguista, gran bebedor y tremendo fanfarrón. Había cumplido los 18 años y ya estaba casado, su mujer "Bella" se dedicaba a la venta ambulante de productos de artesanía, era cerca de la una de la madrugada y el joven Django regresa de una actuación en un nuevo club "La Java", la caravana de la pareja se encuentra llena de flores que Bella había fabricado con restos de celuloide para venderlos en el mercado de la Ciudad Luz. Django oye un ruido y piensa que un ratón se esconde entre todas aquellas flores, acerca una vela con tan mala suerte que la percha de la luminaria se rompe encima de aquellas plantas altamente inflamables, en cuestión de segundos la caravana se convierte en un infierno, saca a su mujer de la cama y le ayuda a salir por una ventana, mientras se protege del fuego con una manta, de alguna manera consigue salir de aquel crematorio, pero su mano izquierda y su pierna derecha sufren quemaduras de carácter extremadamente graves.


Durante el siguiente año Reinhardt pasa el tiempo en el hospital, discutiendo con los medicos que querían amputarle la pierna para evitar futuras complicaciones, finalmente consigue convencerlos de conservarla a cambio de un larga y lenta recuperación. Lo de la mano fue mas complicado, los dedos anular y meñique de su mano izquierda quedaron bastante maltrechos, contraídos por el efecto de las quemaduras, el pronostico no era muy esperanzador. Podía haber supuesto el fin de la carrera de Django, pero durante aquellos largos 18 meses dos hechos fundamentales cambiaron el futuro del artista y el rumbo de la historia de la música. El primero fue que Django descubrió el Jazz americano a través de un disco de Louis Armstrong y mas tarde de otros como Duke Ellington o Eddie Lang, este nuevo sonido marca profundamente al gitano, la improvisación de aquellos músicos era un camino perfecto para el joven músico, Reinhardt, incapaz de leer una partitura, no podía interpretar un mismo tema de la misma manera en distintas ocasiones, su genio para la interpretación y la improvisación suplían con creces su falta de cultura. El segundo y no menos importante de los hechos fue que su hermano le regaló una guitarra para matar el tiempo de la recuperación, al medico de Django le pareció una gran idea que éste la utilizara como terapia para recuperar algo de movilidad en su maltrecha mano, así fue como dicen los biógrafos que creó una nueva forma de tocar los trastes, pero no hay que olvidar que Django aunque tocaba el banjo, nunca antes había tocado una guitarra y como en realidad era un músico autodidacta lo que hizo fue adaptar su estilo a las nuevas posibilidades de su cuerpo, con sus dos últimos encogidos por el efecto del fuego podía llegar a las dos primeras cuerdas en algunos acordes, pero la mayoría de las notas las alcanzaba con con los dedos índice y medio, algo así como el que escribe a máquina con un solo dedo pero con increíble velocidad, su técnica llegó a ser sorprendentemente precisa, ingeniosa, vibrante y elegante.

Desde su accidente (2 de noviembre de 1928) hasta 1931 Reinhart perfecciona su tecnica hasta niveles casi imposibles para muchos músicos en plena facultades físicas, su Swing es vertiginoso y sus acordes se convierten en una mágica catarata de vivaces improvisaciones. Es justo a finales de este ultimo año que conoce al violinista francés Stéphane Grappelli, que por aquel entonces se dedicaba a acompañar con su música las películas mudas de los cines de Paris, fué en un club de Montparnasse, en un recital del saxofonista André Ekyan, Django acudió como espectador y el violinista actuaba con Ekyan. Pronto se hacen amigos y comienza así una fructífera relación, el violín de Grappelli se convierte en el contrapunto perfecto para la melancólica guitarra de Django, una guitarra Selmer que había sido hecha bajo las instrucciones de Reinhardt por el lutier italiano Maccaferri, que posiblemente sin saberlo estaba confeccionando la primera guitarra de Jazz de la historia.

Un tema con la joven cantante Beryl Davis que colaboró con el Quinteto en varias ocasiones
Ambos compartían la misma concepcion sobre música y armonía, su alegre swing basado en la melancolía del violin y el virtuosismo de la guitarra es complementado mas tarde por una base creada por un contrabajo y dos guitarras rítmicas, el sonido característico de su musica es la base de lo que se conoce como Swing o Jazz manouche (jazz gitano). Con esta instrumentacion en 1934 forman definitivamente el grupo mas importante de Jazz de la Europa previa a la Segunda Guerra: el "Quintette Du Hot Club de France", un quinteto liderados por el tándem Reinhardt-Grapelli que en muy poco tiempo ya estaba dando conciertos por los mas prestigiosos locales de todo el mundo y compartiendo escenarios con los grandes del Jazz, que caían rendidos ante la compenetración y el estilo de la banda. Pero la guerra estalla cuando el grupo se encontraba en mitad de una gira por Inglaterra, Stephane decide quedarse mientras el resto de la banda regresa a Paris, incluído Django, aunque deja a su mujer y su guitarra preferida con su amigo en Londres. Con la ocupacion Nazi de Europa, un gitano como Reinhardt lo tenía muy dificil, muchos de sus parientes estaban acabando en los campos de concentracion, pero el destino quiso que uno de los funcionarios de la administración nazi, el oficial Dietrich Schultz-Kohn, fuera un gran aficionado al arte y a la música en particular, decide proteger al músico e incluso le proporciona unos visados especiales para que puedan tocar por la "nueva Europa", así bajo la proteccion nazi y con el claritenista Hubert Rostaing en el lugar de Grappelli, siguen tocando mientras el viejo continente arde, paradojicamente la música de Reinhardt fue también un símbolo de la "Resistance".

Tras la liberacion de Paris comienza una serie de grabaciones con los músicos de Jazz americanos que pasaban por Francia (Coleman Hawkins, Bill Coleman, Benny Carter...) y mas tarde emprende una gira por los Estados Unidos como solista de la orquesta de Duke Ellington, cuentan que en una ocasión dejó plantado a la prestigiosa orquesta por que de camino se encontró unos billares y se puso a jugar y a apostar con los que allí se encontraban. Posteriormente comienza a tocar la guitarra eléctrica, pero nunca llegó a manejarla como su vieja Selmer, decepcionado del trato de los americanos vuelve a Francia (este periplo americano esta homenajeado levemente en el film de Woody Allen "Acordes y desacuerdos" donde suena algún tema de Django), donde se reencuentra con su viejo amigo Grappelli y reanudan juntos una serie de gabaciones influenciados por el Bop americano. Poco tiempo después se retira definitivamente a su ciudad natal (Liberchies) donde se dedica principalmente a pescar y pintar, donde fallece por una hemorragia cerebral debido a un accidental golpe, en 1953, tenía 43 años.

Pero la música de Django le mantendrá siempre vivo, ese zíngaro genial que con solo tres dedos hizo soñar a millones de aficionados a la música, sobreviviéndo a una terrible guerra marcada por la hegemonía de la raza aria, a pesar de su doble condición de tullido y gitano, agradando a los dos bandos por igual, siendo un completo analfabeto y sin saber nada de solfeo compuso, solo y en compañía de Grappelli, un monton de geniales temas como "Daphne", "Nuages", "Manoir de Mes Rêves" o "Minor Swing" . Sus seguidores son legión y su música es influencia para muchos de los nuevos sonidos (en especial para el Country, donde su guitarra fué fundamental para la creacion de este ritmo), existen el el mundo entero cientos de réplicas del " Hot Club de France" donde se puede seguir disfrutando de la música del genial quinteto. En una ocasión el genial guitarrista clásico Andrés Segovia, tras escucharlo en una fiesta privada le preguntó como podía hacerse él con esa música, donde podía comprar las partituras, Reinhardt, riéndose le contesto: "en ningún sitio amigo mio, solo están en mi cabeza"... un chef-d'œuvre monsieur Reinhardt.



Reihardt, Grapelli y el Quintette du Hot Club de France en una asombrosa grabacion donde se aprecia el estilo de ambos musicos.